Arnolfini-Hochzeit

Die Arnolfini-Hochzeit ist ein Ölgemälde auf Holz des flämischen Malers Jan van Eyck, datiert 1434. Größe 81,80x59,40 cm und ist in der National Gallery in London. Es gilt als eines der Meisterwerke des Künstlers ist auch eines der wichtigsten Werke der flämischen Malerei; in seine komplexe und rätselhafte Aura, kaufte er einen geheimnisvollen Ruhm, dass zahlreiche Studien und Fragen noch ungelöst gefüttert.

Geschichte

Das Werk ist signiert und datiert 1434. Es schildert den Kaufmann von Lucca Giovanni Arnolfini und seine Frau Giovanna Cenami, sie Lucca. Sie waren Teil der großen Gemeinschaft der Kaufleute und Bankiers Italiener mit Wohnsitz in Brügge, wo er lebte von 1420 bis 1472.

Im Jahr 1990, ein Französisch-Forscher an der Sorbonne, Jacques Paviot, im Archiv der Herzöge von Burgund ein Dokument Doppel Giovanni Arnolfini datiert 1447 entdeckt wurde, wurde 13 Jahre nach dem Bild, sechs Jahre nach dem Tod von Jan van Eyck gemalt. Natürlich in Brügge im fünfzehnten Jahrhundert gab es vier Arnolfini und zwei von ihnen wurden mit dem Namen John, aber im Dokument spricht eindeutig zu den reichsten, die Beziehungen mit der Erzherzog hatte, so dass die Malerei in Frage. Zur Zeit sind keine Dokumente zur Inbetriebnahme vergangen zwischen der Arnolfini und van Eyck. Wir wissen jedoch, dass Giovanni Arnolfini bewegt von Italien nach Brügge, in denen der Handel mit den zusammengebauten eine immense Glück und trat in den Kreis selektiver des großen Herzogs von Burgund für die der Künstler arbeitete.

Die Arbeit war Teil des spanischen königlichen Sammlung, aber es wurde von der Französisch Armee während des Unabhängigkeitskrieges gestohlen. Im Jahre 1842 die Arbeit, durch den Antiquitätenmarkt, kam zu dem National Gallery in London, die er für £ 730 erworben.

Bezeichnung

Die Arbeit ist eine der ältesten bekannten Beispiele der Malerei, die zum Gegenstand ein eigenes Portrait, Lebenszeichen hat, statt der üblichen religiösen Szenen.

Zeigt das Paar stand, reich gekleidet, im Schlafzimmer, während der Mann, Giovanni Arnolfini, macht eine Geste in Richtung des Betrachters, die auf verschiedene Weise durch den Segen, der Gruß an Eides interpretiert werden kann,,. Seine Frau bietet ihre rechte Hand, während die linke ruht auf dem Bauch, mit einer Geste, die mich an eine Anspielung denken, um eine Schwangerschaft gemacht. Die Verlegung der Charaktere sieht eher feierlichen, fast hieratischen; diese Haltungen "phlegmatisch" sind wahrscheinlich aufgrund der Tatsache, dass er, der die Feier der Ehe, wo solche Ernsthaftigkeit durchaus angemessen ist.

Das Zimmer ist mit großer Genauigkeit dargestellt und wird von einer Vielzahl von Produkten, die alle mit einer extremen Liebe zum Detail dargestellt besiedelt. Unter diesen Objekten in der Mitte steht, einer konvexen Spiegel, Detail zu Recht berühmt und rätselhaft, wo der Maler malte die beiden Schultern und auf der anderen Seite des Raumes, in dem Sie mit zwei Männer sehen eine offene Tür, von denen einer sein können Maler selbst.

Auch heute Historiker behaupten, über den Sinn und Zweck der Arbeit: die von Erwin Panofsky 1934 vorgeschlagenen Ansatz ist, dass es die Darstellung der Ehe des Paares und eine Allegorie der Mutterschaft, die auf die vielen streut anspielen in den Raum. Verschiedene andere Interpretationen sind jedoch erlaubt, unterschiedliche Sichtweisen, der die sehr These von Panofsky in Frage gestellt haben, zu entwickeln.

Die Lösung, die am wahrscheinlichsten scheint, ist, dass es der Eid zwischen Ehegatten vor der Vorlage an den Priester. Dieses Ritual wurde durch ein Heiratsversprechen, gemeinsame Hände, die Rechtskraft hatten und benötigt die Anwesenheit von zwei Zeugen, dies, mehr als die Hochzeit selbst, spielt das Gemälde auf die Zeit der Verlobung. In diesem Sinne ist der Rahmen mit seinen fotografischen Genauigkeit, würde nur das offizielle Dokument Hinweis des Eides darstellen, wie sie in der besonderen Signatur des Künstlers, in der Form und das Layout der mehr ähnliche vorgeschlagen, in einem Zeugnis, Urkunde, anstatt Zertifizierung autographischen Arbeit. Es kann sein, dass van Eyck wollte zeigen, wie das Bild wurde aus dem Leben gegriffen, in seiner Gegenwart: es möglich, dass sie eine Skizze der Zeichen in einer oder mehreren Sitzungen der Pose liefen ist und dann machte er das Gemälde in den folgenden Monaten.

Es war auch eines möglichen Exorzismus Zeremonie sprechen, oder, um die Fruchtbarkeit zu erholen, da Arnolfini und seine Frau hatten keine Kinder. Solche Zeremonien, um die Fruchtbarkeit zu erholen war damals üblich. In der Tat hinter den sich die Hände der Protagonisten ist ein Wasserspeier lächeln konnte, dass das Böse droht über die Ehe als eine Strafe, dass Giovanni Arnolfini hätte ein Frauenheld und ein Ehebrecher haben symbolisieren.

Details und Symbolik

Die flämischen Maler, von denen van Eyck war der erste Dekan, würdigte gewissenhafte Liebe zum Detail aus den Objekten, Teilen von Gegenständen oder verfügt Minute der Gesichter, die Hände, Kleidung, etc. Dies hing von technischen Gründen, religiösen und philosophischen. In religiösen Themen versucht er, in der Tat, senken das Göttliche in den Alltag: Was wäre eine intensivere Beteiligung der Gläubigen begünstigt haben; Philosophie Nominalist andererseits argumentiert als die Substanz des realen könnte es aus der Wahrnehmung der einzelnen physikalischen Objekten kommen.

In einer Vision so viel Liebe zum Detail und die verschiedensten Gegenstände, kann der Mann nicht das Zentrum der Welt sein, wie die Theorie, die italienischen Humanisten, sondern es ist nur ein Teil des reichen Universum, wo alles ist nicht auf dem Ordnungsprinzip der Rationalität. Während die Gesten und Handlungen der Menschen nicht die kulturelle Kraft, um "Geschichte" der anderen Einzelobjekte zu machen an Bedeutung gewinnen in der Darstellung, den Erhalt einer starken symbolischen Wert, der auf verschiedenen Ebenen gelesen werden kann.

Die neuen technologischen Untersuchungen der National Gallery in London zeigen, dass die Mehrheit der Objekte wurde nach dem Erstellen der Hauptszene gemalt, und alle sind kleine Schätze, teuer, dass nur sehr wenige leisten konnten, zu zahlen. Der offensichtlichste ist, dass Arnolfini benötigt eine Demonstration der Macht Geschäft erzielt, wie ein Mann stand allein reichen mit der harten Arbeit des fünfzehnten Jahrhunderts. Die vielen Details nicht nur Wert für ihre Schönheit an sich, sondern um Lesungen immer umfangreicheren und anspruchsvoll implizieren, von der Feier des materiellen Wohlstands der Themen der Malerei, mehr abstrakten und symbolischen Bedeutungen, in diesem Fall im Zusammenhang mit Trauung.

Beobachtung von Objekten und Kleidung getragen äußeren Zustand des Wohlstands des jungen Paares, der gesammelten Objekte aus verschiedenen europäischen Ländern, Russland, der Türkei, Italien, England, Frankreich, etc. haben scheint, Zweifellos Arnolfini, ein reicher Kaufmann, unterhalten Geschäftsbeziehungen mit Unternehmern aus der ganzen Kontinent.

In der Malerei, dann kann man abholen mindestens drei Hauptebenen:

  • Das Porträt von zwei wichtige Mitglieder der Gesellschaft, von der bedeutendsten lokalen Künstler laufen;
  • Die Aussage des Malers auf den Eid der Ehe;
  • Eine Zusammenfassung von Figuren und symbolische Objekte gemacht, die Verpflichtungen zur Folge Ehe in der Mitte des fünfzehnten Jahrhunderts.

Die Malerei ist eine Allegorie auf das Ideal der sozialen Ehe von Reichtum, Fülle, Wohlstand. Der Hund und die Hufe sind der Grund der ehelichen Treue. Orangen sind ein Wunsch für die Fruchtbarkeit.

Die Protagonisten

Die Vielzahl von Details scheinbar nicht wichtig, aber ein aufmerksamer Beobachter und fing enthüllt eine neue Dimension der Arbeit.

Erstens ist die Darstellung des Paares, die antagonistische ist und symbolisiert die verschiedenen Rollen, die jeder spielt in der Ehe: der Mann scheint schwerer, mit der rechten Hand erhoben, als Symbol für die geistige Vereinigung und das linke nach unten, an der Hand der Ehepartner, als Symbol für körperliche Vereinigung. Er prangt die moralische Kraft des Hauses, mit dem Argument mit Autorität die Hand seiner Frau ,, der den Kopf in unterwürfigen Haltung beugt. Ihre Merkmale sind realistisch und individuell, die nicht verschont hat einige Mängel, wie die breiten Nasenflügeln, ihn, seine ovales Gesicht zu lang ist, kugelige Augen und keine Wimpern, als sie scheint bitter und ein wenig "mollig.

Sehr beredt Roben und trotz der Einstellung legt eine Sommerzeit, oder zumindest die Feder, sind schwer und anspruchsvoll. Er hat eine dunkle Tunika und nüchtern, mit einem Mantel mit Pelz Hängen des Murmeltier, besonders teuer abgedeckt. Die breitkrempigen Hut zeugt von der feierlichen Gelegenheit, als auch stellen einen Trick, um schwarze Gesicht umrahmen, was ihn zeichnen sich in das klare Licht, die es trifft.

Sie trägt einen bombastischen und modernen Ära Flämisch, mit Hermelin Pelzrobben. Er erarbeitet Frisur verschleiert fein umkämpfte und trägt eine Halskette, mehrere Ringe und ein Band aus Goldbrokat. Die grüne Farbe war zu der Zeit die Farbe der Fruchtbarkeit. Sie nicht schwanger ist, wird ihre Position beschränkt, um eine rituelle Geste, ein Versprechen der Fruchtbarkeit durch die besonders hohe Band hervorgehoben werden, die Falte des Gewebes und die übertriebene Krümmung des Körpers.

Das Zimmer

Die Szene ist im Zimmerpreis gesetzt, mit der Anwesenheit des Ehebett und der Bank im Hintergrund, es ist der Ort der Ehebündnis.

Das Bett hat Beziehungen vor allem mit Königen und Adligen, mit der Kontinuität der Linie und Nachnamen. Es ist der Ort, an dem man geboren wird und stirbt. Die roten Stoffen symbolisieren die Leidenschaft, sowie die Schaffung einer starken Farbkontrast mit dem Grün der Kleidung der Frau. Auf jeden Fall war es die Sitte der Zeit, in den Häusern von Burgund, legen Sie ein Bett im Wohnzimmer, wo sie besucht wurden. Obwohl, in der Regel, würde verwendet werden, um zu sitzen, manchmal war es auch der Ort, wo Mütter, gerade entbunden, mit ihren neugeborenen Glückwünsche von Familie und Freunden empfangen.

Das Kopfende des Bettes ist zu sehen, geschnitzt eine Frau, mit dem Fuß ein Drache. Es könnte St. Margaret, dem Schutzpatron der Frauen in Arbeit, dessen Attribut ist der Drache zu sein; aber für den Pinsel, der an seiner Seite ist, auf der Rückseite des Bettes, könnte es Santa Marta, der Schutzpatron des Hauses mit dem es das gleiche Attribut sein.

Der Teppich und Hufe

Der Teppich, die in der Nähe des Bettes ist, ist sehr luxuriös und teuer, die aus Anatolien, ein weiterer Beweis für seine Lage und wirtschaftlichen Reichtum.

Hufe auf dem Boden herum waren eigentlich Überschuhe, außen getragen werden, um die teure Schuhe in den besten Materialien und komfortabel zu schützen. Deren Anordnung auf dem Boden des Raumes ist nicht zufällig: die von Joan, rot, sind neben dem Bett; die von ihrem Mann, näher an die Außenwelt.

Die Früchte

Eine orange gesehen ruht auf der Fensterbank und die anderen drei auf einem Regal unten. Diese Früchte, aus dem Süden importiert, waren ein Luxus im Norden von Europa, und hier vielleicht auf den Ursprung der Protagonisten des Mittelmeers portrait anspielen. Auch in den nordeuropäischen Ländern waren wir wie "Adams Äpfel" und hatte die gleiche Bedeutung Apfel erinnern an die verbotene Frucht der Erbsünde. Die Früchte daher auffordern, von sündhaftes Verhalten zu fliehen, heilig durch das Ritual der christlichen Ehe, im Einklang mit den Geboten des Glaubens.

Auch die Fenster können Sie sehen, ein Kirschbaum mit Früchten beladen, eine Anspielung auf das Frühlingswetter, die gegen die Winterkleidung der Protagonisten: in der Realität, was sie tragen ist ein einfacher Hinweis auf ihren sozialen Status, der Künstler ist nicht daran interessiert, eine treue Portrait, sondern evocative.

Aufhängen von Gegenständen

Rosenkränze waren ein einfaches Geschenk an Freund seiner zukünftigen Frau ist; sorgfältig Peering, wenn es merkt man hängen neben kleinen Spiegel durch den Raum. Glas ist ein Symbol der Reinheit, während der Rosenkranz schlägt die Tugend der seine Freundin und seine Verpflichtung, fromm zu sein.

Der Spiegel, zum ersten Mal, so weit wir wissen, zeigt den Hintergrund des Gemäldes, die oft zu Velázquez kopiert wurden, von Hans Memling. Es ist eines der besten Beispiele für mikroskopische Winzigkeit von Van Eyck erhalten: Messen 5.5 cm, und sein Rahmen werden zehn Episoden der Passion Christi dargestellt. Das Medaillon unten im Uhrzeigersinn zu erkennen:

  • Todesangst im Garten
  • Gefangennahme Christi
  • Pilatus-Urteil
  • Geißelung Christi
  • Straße zum Kalvarienberg
  • Kreuzigung
  • Ablagerung
  • Trauer
  • Abstieg in Limbo
  • Auferstehung

Zu dieser Zeit waren diese kleinen konvexen Spiegel sehr beliebt: oft in der Nähe von Türen oder Fenstern, der Lichteffekte in den Raum zu versuchen, aber die meisten wurden verwendet, um abzuwehren Pech. Seine Anwesenheit im Rahmen, mit dem bestimmten Thema des Rahmens, deutet darauf hin, dass die Auslegung der Veranstaltung, die christliche und spirituelle gleichermaßen sein. Die Geschichten der Passion waren auch ein Beispiel der christlichen Toleranz Wirrungen des Alltags. Das Spiegelglas spielt auf die Jungfräulichkeit Marias, die Sinus Makula Speculum und dann analog, die Reinheit und Jungfräulichkeit der Braut, die während der Ehe keusch zu bleiben war. Darüber hinaus ist die hellen Schimmer auf dem Spiegel lädt den Betrachter, um die reflektierten Bilder zu beobachten. Sie können feststellen, dass zusätzlich zu den beiden Ehepartnern, gibt es andere Zahlen nieder, das ist ein weiteres Beispiel für ihren christlichen Glauben, weil eine Hochzeit wurde mit den Zeugen getan.

Die Kronleuchter mit sechs Armen mit einer einzigen beleuchteten Kerze symbolisiert die Flamme der Liebe, und erinnert die Kerze, die immer im Heiligtum von Kirchen, Symbol für die ständige Gegenwart Christi, der alles sieht, strahlt. Auch hatte die Gewohnheit, flämische Familien eine Kerze am ersten Tag der Hochzeit und wie Objekte, die sie manchmal in den Gemälden der Verkündigung angezeigt. Es kann gut sein, dass der Künstler enthalten sie an seine Fähigkeiten bei der Herstellung von Kunstlicht, sowie die natürliche zeigen.

Die Stange hängen auf der rechten Seite ist ein Symbol der Jungfräulichkeit, für das Wortspiel Virgo-virga, aber in der Folk-Tradition war auch ein Symbol der Fruchtbarkeit, mit dem der Mann gegen die Frau symbolisch, denn es war der Träger der Kinder.

Der kleine Hund

Der Hund legt eine Notiz von Anmut und Erleichterung in einem Rahmen, ist für den Rest, und nicht feierlich und ernst. Es symbolisiert die Treue und Adel des Paares, weil der Besitz eines Haustieres war ein Luxus, dann Symbol des Reichtums und Loyalität gegenüber dem Chef. Virtuoso ist die Gründlichkeit, mit der sie sich die Haare des Fells gemalt.

Stil

In dieser Arbeit, die Sie die wichtigsten Grundzüge des flämischen sehen können, so dass es ein paradigmatisches Beispiel. Erstens ist die Technik, die von den Ölfarben durch eigene van Eyck und Erholung von seinen Anhängern, die die Erstellung von Lichteffekten und Rendering-Oberflächen als je zuvor erlaubt perfektioniert dank aufeinander Glasuren, Farbschichten, die lichtdurchlässig und transparent ist, das machte die glänzenden Zahlen und poliert, so dass Sie die verschiedenen Texturen von Oberflächen bis in die kleinsten Details zu definieren. Die Kaltlicht und analytische ist das Element, vereinheitlicht und macht in der gesamten Szene feierlich und unbeweglich, umreißt in einem "nicht-selektiven" ist das unendlich klein, dass die unendlich groß. Ausgenutzt werden mehrere Lichtquellen, Schatten und Reflexionen, die sich vermehren, so dass Sie akut verschiedenen Oberflächen zu definieren: den Pelz, um Metall das Tuch, aus Holz, zeigt jedes Material eine spezifische Reaktion auf das Licht.

Der Raum ist komplex und sehr verschieden von der Tradition der Florentiner Renaissance. Italiener verwendet sie einen einzigen Fluchtpunkt in der Mitte des Horizonts, wo alles perfekt ordentlich organisiert, mit präzisen Verhältnisse zwischen den Figuren und mit einer einzigen Lichtquelle, die die Schatten definiert. Nach diesem Ansatz bleibt der Betrachter von der Szene geschnitten und hat eine vollständige und klar.

In dieser Arbeit, und in den flämischen Werken im Allgemeinen, sondern der Betrachter wird illusionären Raum der Repräsentation, durch einige Maßnahmen, wie beispielsweise die Verwendung von mehreren Fluchtpunkten und eine höhere Horizont, die es klingen macht inklusive der " Umwelt "Rundum", als ob es sich um mehr als auf den Betrachter bis zur Spitze. Der Raum ist daher alles andere als geschlossen und endlich, in der Tat gibt es Elemente wie Fenster, das einen Einblick in die Fernsicht oder den Spiegel, die die Umwelt, die die Schultern der Protagonisten und die andere Seite des Raumes verdoppelt bietet.

Eine gewisse Starrheit der Formen und der rätselhaften Ausdruck der Figuren sind auch Eigenschaften der ersten flämischen Schule.

Geschenke und Zitate

  • Im Jahr 2004 hat die kolumbianische Maler Fernando Botero eine Version der Arbeit von van Eyck mit seinem charakteristischen Stil, in dem nicht nur Ehepartner, sondern auch der Hund vertreten sehr Fleisch erstellt.
  • Die Arbeit wird im Vorspann der Fernsehserie Desperate Housewives platziert.
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