Elisabethanischen Theaters

Die elisabethanischen Theaters war einer der künstlerischen Perioden der größten Pracht des britischen Theaters. Es wird traditionell zwischen 1558 und 1625 gelegt, die während der Herrschaft der britischen Monarchen Elizabeth I und James I von England. Die Bezeichnung im Sinne des englischen Renaissancetheater, die Verlängerung der Theater Phänomene blühte in der Zeit von der anglikanischen Reform die Schließung von Theatern im Jahre 1642 mit der Ankunft des Bürgerkrieges, also auch viel von der Herrschaft von Karl I.

Die Produktion von der Zeit nach 1603, dem Jahr der Tod der Königin, wird manchmal auch separat als Theater Jacobite Alter bezeichnet und stellt verschiedene Charaktere aus der vorherigen, die Evolution ist.

Queen Elizabeth, von dem es seinen Namen hat, und Dramatikers William Shakespeare, der größte Exponent dieser Zeit und einer der größten Dramatiker überhaupt: Das Theater der ganzen Zeit wird traditionell mit zwei großen Persönlichkeiten verbunden.

Zusammen mit den wirtschaftlichen Aspekten des Theater Beruf, verändert sich der Charakter des Dramas gegen Ende des Berichtszeitraums: unter Elisabeth das Drama war ein einzigen Satz über soziale Klasse beteiligt: ​​der Hof besuchte die gleichen Vorstellungen, die gewöhnliche Menschen könnte es in öffentlichen Theatern zu sehen während die Entwicklung der Privattheater Drama wurde mehr in Richtung auf den Geschmack und die Werte von einem Publikum von Oberklasse-orientiert. Mit dem letzten Teil der Herrschaft von Karl sie ein paar neue Stücke für das Theaterpublikum, die auf den Arbeiten in den vergangenen Jahrzehnten angesammelt unterstützt wird geschrieben wurden.

Historischer Kontext

Die elisabethanischen Zeit nur teilweise zusammenfällt chronologisch mit der europäischen Renaissance und noch weniger mit dem italienischen einem und bringt selbst starken Akzenten des Manierismus und des Barock in der mehr spät.

Diese Periode der Geschichte wurde von den Historikern viktorianischen und frühen zwanzigsten Jahrhundert als eine Art "goldene Zeitalter" idealisiert. Historische Studien neuesten neigen dazu, diese idyllische Vision zu ändern, betonte die Armut der überwiegenden Mehrheit der Bevölkerung, die Unterstützung für die Sklaverei und die großen Spannungen in dem Land, das führen wird, 40 Jahre nach dem Tod von Elizabeth, in der englischen Bürgerkrieg. Allerdings ist die allgemeine Meinung der Historiker, dass der elisabethanischen Ära erlaubt die Insel eine Zeit des relativen Friedens, eine Regierung, die sparsam eingesetzt foltern, eine erhebliche Reduzierung der religiösen Verfolgung und ein gewisses Maß an Freiheit und Wohlstand weitem bisherige Monarchien und unmittelbar nach.

Die elisabethanischen Ära markierte den Eintritt von England in der heutigen Zeit unter dem Einfluss von wissenschaftlichen und technologischen Innovationen wie die kopernikanische Revolution und der großen geographischen Entdeckungen. The Tempest von William Shakespeare, falls wir siedeln in einer karibischen Insel, deren Bevölkerung wurde von den magischen Künste von Prospero, nämlich Technik und den Fortschritt der europäischen Siedler gedämpft.

Die Thronbesteigung von Elizabeth I, fünf Jahre nach dem tragischen Regierungszeit von Maria, der Katholik, wurde von einer Konsolidierung des Protestantismus aus und bestimmt das Wachstum der Unternehmen und der territorialen Eroberungen. Ablösung von der Umlaufbahn des Papsttums und des Heiligen Römischen Reiches, mit der Niederlage der Philip II von Spanien und seine Invencible Armada, dem größten wirtschaftlichen Wohlstand aufgrund der Ausweitung des Handels über den Atlantik, besiegelte den Triumph der Elizabeth und die Geburt von ' Moderne England.

Eine neue Klasse der Kaufleute erworbenen Macht und mit Unternehmen erhöhte auch den kulturellen Austausch mit dem Ausland. Es erhöht das Interesse an Humanae litterae und dann nach Italien, wo Intellektuelle flohen aus Konstantinopel hatte mit ihnen die alten Handschriften der großen griechischen und lateinischen Klassikern von Sprengung ein beispielloses Interesse an der Antike griechisch-römischen und brachte Studium der hebräischen Sprache.

Dann wurde er in Italien Humanismus, soll im sechzehnten Jahrhundert in der Renaissance reifen, mit der Schaffung von Kunst und moderner Architektur und groß angelegte technologische Erneuerung geboren. Wenn der Renaissance in Italien lief in Richtung der Mitte des sechzehnten Jahrhunderts, in Nordeuropa ist es dauerte bis in die frühen Jahrzehnten des siebzehnten Jahrhunderts.

Eine soziale Faktor, der die neue Realität Englisch markiert, zusätzlich zur Erhöhung der Einfallsreichtum von Händlern, war der Anstieg der Bevölkerung. Wirtschaftliche Unterschiede zwischen den reichen und armen Klassen während der Tudor-Dynastie vertieft. Bevölkerungswachstum und Migration vom Land investiert London, das seine Bevölkerung in weniger als einem Jahrhundert vervierfacht. Im Jahre 1600 die Hauptstadt hatte etwa 200.000 Einwohnern. Die Entwicklung des englischen Dramas dieser Epoche hat ihre eigenen Zentrum in London, dann in der Provinz verbreiten.

Ursprünge

Kurz vor der Ära des elisabethanischen Theaters, waren weit verbreitet heiligen Darstellungen der Corpus Christie spielt und Miracle spielt, nur durch den schismatischen König Heinrich VIII unterbrochen und schließlich unter Elizabeth verboten. Sie wurden in mehr als hundertzwanzig britischen Städten und einige ihrer Eigenschaften, wie der plötzliche Übergang von der schweren auf die Comic-und umgekehrt dargestellt, für die narrativen Episoden ohne die klassische Struktur der fünf traditionellen Handlungen, erwartete die elisabethanischen Theaters. , Allegorische Texte mit den pädagogischen Zwecken, die zwar auf die heilige Sphäre verbunden, führte den Geschmack der Visualisierung von abstrakten Begriffen, durch symbolische Zahlen, dh Zeichen erhalten, die Ideen und Haltungen stellen Letztere wurde am stattdessen durch Moralitäten beeinflusst. Auch eine andere theatralische Gattung, diesmal säkularen, voran elisabethanischen: die Interludes, die den Höhepunkt ihres Erfolgs aus der Mitte des fünfzehnten Jahrhunderts bis zur zweiten Hälfte des sechzehnten Jahrhunderts, dessen Hauptfigur war in der Regel der Monarch, war die Kulisse London hatte, die Handlung bestand auf die Betonung der irdische Glück. Fundamental war die Geburtsstunde der sogenannten minidrammi, von Latein und klassischen Werken beeinflusst, die den Zähler Theater in einer Weise, die die nächste Produktion charakterisieren erfinden wird.

Die Unternehmen der Akteure unter dem Schutz der Adelsfamilien, die regelmäßig Darstellungen in den Gerichten und in anderen Orten durchgeführt, existierte, bevor der Herrschaft von Elizabeth, und bereitete den Weg für den professionellen Schauspielern des elisabethanischen Theaters. Die Tudor Monarchen umgaben sich oft der Künstler, Jongleure, Musiker und Schauspieler. Heinrich VII gehalten bei Hof ein kleines Unternehmen von Akteuren, die Königs Spieler, um zu unterhalten und unterhalten die Gäste. Die mächtigsten Adligen, wie der Herzog von Northumberland, oder dass von Buckingham, waren nicht weniger bekräftigen ihr Prestige durch die Rekrutierung von Schauspieler und Sänger, Beteiligung an rauschende Feste anlässlich der Ferienzeit oder ein neues Gebäude eingeweiht. Die Schauspieler, Schachfiguren in politische Spielchen, band seinen Erfolg, dass der Schutzfolie, die die Lackierung durchgeführt. Oft wurden sie 'ausgeliehen', um andere Gerichte, um das Prestige ihres Schutz erhöhen und machten Ausflüge, wo manchmal wurden sie auch als Informanten eingesetzt. Machtkämpfe und Rivalitäten zwischen der Monarchie und die Familien wurden immer starkes Argument der gleichen Stücke in einer Fiktion, die reflektiert und mit der Realität vermischt durchgeführt.

Die Führungen dieser Unternehmen Akteure livrierten allmählich verdrängt andere Formen der Darstellung heilig und profan. Ein Artikel in der Armengesetz von 1572 beseitigt die verbleibenden Unternehmen ohne formale Schutz, das entspricht Landstreicherei. Die Behörden in London waren generell feindlich öffentlichen Aufführungen. Trotz der königlichen Wachen und edel, wurden die Theater im öffentlichen Freiheiten der Stadt außerhalb der kommunalen Zuständigkeit wie dem Stadtteil Southwark gebaut, um Schutz vor den Verboten Unternehmen nehmen häufig mussten Zuflucht zu Kriegslist, um Darstellungen als bloße Nachweis von Shows einreichen für den königlichen Hof.

In London, eine Stadt, die in den boomenden Wirtschaftszweige blühten, nahm der Bau und Betrieb von einem Theater dann die beispiellosen Charakter der autonomen Handelsunternehmen, Hervorhebung der Figur der Impresario. Der Schriftsteller, Dichter und Dramatiker Thomas Dekker kam, um die Theater an der Royal Exchange in London im Jahre 1565 von Thomas Gresham gebaut gleichzusetzen, Schwellenländern als Musen wurden "in Händler eingeschaltet wird, den Austausch der Ware Licht der Worte"

Die Theater

Das Theaterleben wurde größtenteils in London konzentriert, aber die Arbeiten wurden in ganz England von Touren Gesellschaften vertreten. Britische Unternehmen waren auf Tour mit britischen Werke auch in Nachbarländern wie Deutschland und Dänemark durchführen.

Der Berichtszeitraum beginnt vor der Gründung der ersten Theater permamenti. Es gab zwei Arten von frühen Raumdarstellung, die Gerichte des Gasthauses, Pensionen wirtschaftlichen Provinz, und der Inn of Court, Berufsverbände für kriminelle Anwälte und Richter, wie die Inner Temple. Diese Strukturen weiterhin auch nach der Einrichtung fester Theatern verwendet werden. Das erste ständige Theater in Englisch, Red Lion, eröffnet im Jahre 1567, war aber erfolglos und von kurzer Dauer. Die ersten Schauplätzen Erfolg, wie die Theater, im Jahre 1576 eröffnet.

Die Einrichtung von großen öffentlichen Theatern profitabel war ein Schlüsselfaktor für den Erfolg des englischen Renaissance-Drama: Sobald diese Strukturen wurden in Betrieb genommen, wäre das Drama ein Phänomen, stabile und dauerhafte, nicht vergänglich zu werden. Ihr Bau wurde erforderlich, wenn der Bürgermeister und die Corporation of London vor den Aufführungen verboten im Jahre 1572 als eine Maßnahme gegen die Pest, und dann formell alle Akteure vertrieben von der Stadt im Jahre 1575. Dies führte zum Bau von permanenten Theatern außerhalb der Zuständigkeit London, in der Freiheit der Halliwell / Holywell in Shoreditch und später Clink und Newington Butts, in der Nähe des Unterhaltungsviertel in der St.-Georgs-Felder in Surrey gegründet.

Wenn im sechzehnten Jahrhundert wurden die ersten Theater in die Freiheit außerhalb der Stadt gebaut, behielt sie viel von der alten mittelalterlichen Einfachheit. Ohne die Hilfe von Maschinen oder künstliche Beleuchtung, die Schauspieler britischen maximale Kreativität und Mitarbeiter Phantasie entwickelt, noch bevor sie die ersten großen Werke elisabethanischen geschrieben wurden.

Ursprünglich aus Zirkussen der Zeit für die Kämpfe zwischen Hunden und Bären oder zwischen dem "Gasthaus" abgeleitet ist, bestand das Theatergebäude eines sehr einfachen Aufbau aus Holz oder Stein, oft kreisrund und hat einen großen Hof geschlossen all ' um, aber obdachlos. Das Gericht wurde die Stände des Theaters, während loggioni von den Balkonen in der Pension ab. Wenn das Gasthaus wurde zum Theater oder Zirkus, wenig oder gar nichts verändert die alten Gebäude: die Aufführungen fanden im Gericht, im Licht der Sonne. Das elisabethanische Schauspieler die Hauptrolle in der Mitte, nicht vor Menschen: In der Tat ist die Bühne "eingedrungen" auf ein Publikum, das ihn auf drei Seiten umgeben. Wie im Mittelalter war die Öffentlichkeit nicht nur ein Zuschauer, sondern ein Teilnehmer an der Theateraufführung. Das Fehlen von "Spezialeffekte" raffinava Fähigkeiten Gestik, Mimik und verbale Schauspieler, der meister Orte und unsichtbaren Welten schaffen könnten. Zur gleichen Zeit, der Betrachter sopperiva der fehlenden visuellen Komponente mit einer ebenso raffinierten Genuss, von außergewöhnlicher Sensibilität für die aufgeführten Wort- und lebhafte Fantasie machte.

Die erste große Amphitheater, dem Publikum offen elisabethanischen war derjenige einfach als das Theater, "Theater", von dem Schauspieler und Impresario James Burbage und Bruder John Brayne im Stadtteil Shoreditch im Jahre 1576 gebaut, mit den Flächen gepachtet von Puritan Giles Allen. Im gleichen Jahr hatte Queen Elizabeth in der Tat nach Leicester Herren von Burbage eine Lizenz, durch die sie von der aktuellen Verbot öffentlicher Leistungen befreit wurden vereinbart.

Der Prototyp für das neue Theater war das Red Lion, durch Brayne neun Jahre zuvor gebaut, im Jahre 1567, bei Mile End, einem Dorf im Osten von London in ihren wesentlichen Formen, seine strukturelle Layout beeinflussten Architektur play next.

Das Theater wurde in Newington Butts gegründet, wahrscheinlich von Jerome Savage, zwischen 1575 und 1577. Sie folgten dem Vorhang Theater, die Rose, die Swan, das Globe, das Glück und die Red Bull.

Diese Theater waren drei Stockwerke hoch und auch um einen offenen Raum in der Mitte gebaut. Typischerweise der Pflanze wurden polygonal um eine kreisförmige Wirkung zu erzielen. Die drei Ebenen der Galerien, nach innen gekehrt, um den zentralen offenen Raum. Die Phase war im wesentlichen eine Plattform, die von den Zuschauern auf drei Seiten umgeben, aus dem Boden von einem Meter und eine Hälfte erhöht und durch ein Dach abgedeckt. Sie wurden auf der Unterseite der Tür Eingang und Ausgang der Schauspieler und die Stühle für die Musiker platziert. Die Oberseite hinter der Bühne könnte als Balkon verwendet werden, wie in der berühmten Szene in Romeo und Julia, oder als ein Ort, von dem ein Schauspieler konnte das Publikum anzusprechen, wie in Julius Caesar. Archäologische Ausgrabungen auf den Fundamenten der Rose und die Kugel am Ende des zwanzigsten Jahrhunderts haben gezeigt, dass alle Theater von London zeigte individuelle Unterschiede, aber ihre gemeinsame Funktion benötigt eine Gesamt Design ähnlich.

In der Regel aus Holz, waren Gegenstand Feuer die ersten Theater. Als im Juni 1613 der Globe in Brand geraten, wurde er mit einem Ziegeldach umgebaut. Im Dezember 1621, als Feuer zerstörte das Glück, dies wurde in Backstein wieder aufgebaut. Die Kapazität des Amphitheaters war zwischen 1500 und 3000 Zuschauer.

Ein anderes Modell wurde mit dem Blackfriars Theatre entwickelt, in einem ehemaligen Kloster, das regelmäßig in 1599 verwendet werden begann untergebracht Die Blackfriars war kleiner, gegenüber dem Vorjahr, und wurde komplett abgedeckt. Er erinnerte die meisten der anderen zu einem modernen Theater. Die Innenbeleuchtung wurde mit Kerzen, die während eines oder mehrerer Intervalle des Dramas ersetzt erhalten.

Andere kleine Theater gefolgt bedeckt, wie Whitefriars und dem Cockpit. Diese Theater, mehr gesammelt, enthielt etwa 500 Zuschauer, in der Ernte. Sie wurden als "private" bekannt, obwohl sie für die Öffentlichkeit zugänglich waren ebenfalls: von denen viele in den Mauern der Stadt, war dies ein weiterer Trick, um die strengen Bestimmungen des Gesetzes zu entgehen. Die großen Holz O, die im Prolog zu Henry V ersetzt nach und nach das Salz der barocken Gebäuden und verwies Amphitheatern zur Website des Sommers Shows oder, wie im Fall der Hoffnung, die Kämpfe zwischen Hunden und Bären gesprochen wird.

Mit dem Bau des Salisbury Court Theatre im Jahre 1629 in der Nähe der Stelle der stillgelegten Whitefriars, hatte das Publikum in London sechs Theater zur Auswahl, von denen drei große und Tagebau - die Kugel, Vermögen und die Red Bull - und drei kleinere, " Private ": Blackfriars, Cockpit und Salisbury Court.

In den 1580er Jahren, wenn sowohl das Theater ist der Vorhang waren voll, bei gutem Wetter die Gesamtkapazität der Theater in London war etwa 5.000 Zuschauer. Als sie bauten die neue Gebäude und neue Unternehmen gebildet wurden, stieg die Zahl der verfügbaren Plätze zu 10.000 Zuschauern nach 1610 zu Ende.

Während der italienischen Renaissance-Drama wurde auf eine Form der elitären Kunst entwickelt, wurde der elisabethanischen Theaters ein großer Container, der alle Klassen fasziniert. Die Leistungen, die in der öffentlichen Theater stattfand, konnte Fürsten und Bauern, Männer, Frauen und Kinder zu treffen, denn das Ticket war für jeden etwas dabei: der Stehhöhe in der Mitte des Theaters kosten einen Cent; Zuschauer reichen konnte in den Galerien zahlen zwei Pfennige zu sitzen; Teilnahme an der Theater es war stark in den Sitten der Zeit verwurzelt. Daher ist jede Dramatik war für jeden Geschmack zu treffen: die des Soldaten, der Kriege und Duelle, die der Frau, die er für die Liebe und Gefühl suchen, die des Anwalts, die sich in der Moralphilosophie und Gesetz war, und so weiter sehen wollte. Die Theatersprache spiegelt diese Notwendigkeit, Bereicherung der verschiedenen Register mehr Kauf Flexibilität und Ausdruckskraft.

Mindestsätze nicht im Laufe der Zeit ändern: im Jahr 1580 konnten die ärmsten Bürger die Zulassung zum Vorhang oder das Theater für einen Pfennig zu kaufen; im Jahre 1640 der Eingang zum Globe oder dem Red Bull kosten genauso viel, während der Zugang zu den privaten Theatern belief so viel, um fünf oder sechs Mal.

Exponenten

Autoren

Die wachsende Bevölkerung von London, dem wachsenden Wohlstand einiger ihrer Bürger und die steigende Nachfrage nach Unterhaltung durch die Abschaffung der mittelalterlichen Formen der Brillen frustriert, produziert einen dramatischen Literatur der bemerkenswerten Vielfalt, Qualität und Umfang. Das Repertoire des englischen Theaters wurde in einem kurzen Zeitraum gebildet, nach der Notwendigkeit, neue Shows in den neuen Theater, die nach und nach gebaut bieten. Obwohl die meisten der Texte für die elisabethanische Bühne geschrieben sind verloren gegangen bleiben mehr als 600, was eine Ära kulturreichen.

Die Männer, die diese Spiele erfunden, waren in erster Linie selbst beigebracht von einem bescheidenen, obwohl einige von ihnen hatte in Oxford oder Cambridge erzogen worden. Es gibt Frauen, so weit wie Sie wissen, die sich für das Theater in dieser Zeit schrieb, obwohl es eine Handvoll von aristokratischen in Stücken von Lese Übersetzungen oder Drama beschäftigt. Einige Autoren, wie William Shakespeare, waren in erster Linie Schauspieler, aber die meisten von ihnen waren nicht, und seit 1600 wird den Namen eines Autors, der die Bühne als Schauspieler, um ihr Einkommen aufzubessern geteilt hat nicht bekannt.

, Dass der Dramatiker war ein anspruchsvoller Beruf und weit von profitabel. Die Einträge im Tagebuch des Impresario Philip Henslowe zeigen, dass in den Jahren um 1600 er ein Minimum von 6 oder 7 £ bezahlt, um zu arbeiten. Es war wahrscheinlich eine niedrige Rate, obwohl die besten Schriftsteller konnte nicht erwarten, viel mehr. Dramatiker, allein zu arbeiten, könnten in der Regel produzieren vor allem zwei Stücke Kinojahr. In Anbetracht, dass die Autoren gewonnen wenig aus dem Verkauf ihrer Arbeiten für ein Leben sie hatten eine Menge zu schreiben. In einem einzigen Jahr 1598 arbeitete Thomas Dekker am 16. Kooperationen für Henslowe, gewinnt £ 30, oder ein wenig "weniger als 12 Schilling die Woche, etwa die doppelte Durchschnittseinkommen von einem Handwerker, einen Schilling pro Tag. Dramatiker waren in der Regel für den Fortschritt in den Prozess des Schreibens gezahlt und schließlich, wenn ihr Text wurde angenommen könnte auch die Erlöse aus einem Tag der Darstellung zu erhalten. Allerdings haben sie nicht gegen Urheberrechte zu genießen, was sie schrieb: wenn der Text war zu einem Unternehmen, das im Besitz verkauft und der Autor hat keinerlei Einfluss auf die Auswahl von Schauspielern oder Darstellung, noch auf spätere Überarbeitungen und Publikationen .

John Lyly, den ersten elisabethanischen Dramatikers uns bekannt von einiger Bedeutung, war im wesentlichen ein Schriftsteller von kurzen, wenig Interesse an der Entwicklung eines geeigneten für eine populäre Publikum Drama. Seine Werke wurden in den Unternehmen der Jugendlichen, die in den Kinos "private" gehandelt und seine Grundstücke waren der Vorwand für raffinierte Dissertationen, in einer Sprache suchte geschrieben gerichtet. Sein Stil, sagte Euphuism, ermutigt die Suche nach einer Sprache, reich und kultiviert, von Redewendungen und symmetrische Strukturen oder wiederkehrende kompliziert. Ein Beispiel für seinen Einfluss auf die spätere Produktion ist die Shakespeare-Komödie Liebesmüh Lost.

Nicht alle Autoren jedoch zu modernen Bilder von Dichtern und Intellektuellen entsprechen: Christopher Marlowe wurde während einer Schlägerei in einer Taverne getötet, Shakespeare wurde von Figuren aus den Slums von London begleitet und ergänzt sein eigenes Einkommen durch das Verleihen von Geld, während Ben Jonson einen Schauspieler getötet in einem Duell. Viele andere waren wohl Soldaten. Vielleicht zu keiner anderen Zeit im Drama ist real, und die Empfindlichkeit von allen: Verschwörungen, politische Morde, Hinrichtungen und Gewalt sind an der Tagesordnung, weil die Renaissance war eine Zeit der traumatischen Veränderungen in ganz Europa. Um Kritik zu entkommen die Themen werden immer als entfernte oder Fremden vorgestellt, aber es gibt Quellen der Inspiration: in Italien und vor allem in Florenz, haben das Gebäude der politischen Verschwörungen und Kriege die Stadt mit Blut befleckt, wie wir aus den Chroniken lernen und romanhafte italienische ins Englische übersetzt. Diese und weitere Veranstaltungen in Europa bieten hervorragende Möglichkeiten, um darzustellen, so exotischen Spannungen existieren, mit denen die Bürgerinnen und Bürger des Königreichs. Die Größe der Zeit wird so seine eigene Krise, die auch die Krise und die endgültige Niedergang der Mitte geteilt.

Marlowe zusammen Arbeiten auf sehr umstritten, brechen viele Tabus der Epoche. Für die Eroberung der Macht, dem Königsmord er packt Homosexualität, die Kriege - in seinen Stücken, durch Allegorien auch in scheinbar entfernte Ereignisse verkleidet in der Zeit - wie im Fall von Edward II. Tamburlaine der Große war das Drama, die ihm die Aufmerksamkeit der britischen Öffentlichkeit, die von den Admirals Männer während des Krieges mit Spanien von Edward Alleyn inszeniert und erfolgreich durchgeführt geweiht. Der Triumph der Barbarenkönig, die Königreiche von raffiniertem Kultur zerstört spielte die finsteren Befürchtungen des englischen Volkes gegen Philip II von Spanien und seiner gebaut Armada. Diese provokative Erzählweise, scheinbar harmlose, aber von der Öffentlichkeit leicht decodiert, nicht sanktioniert oder getadelt und war das Modell, auf die die Autoren nach der Bewältigung politischer Probleme eingehalten werden.

Wenn Charakterisierungen Alleyn hatte bereits eine dramatische Texte erforderte anvertrauen und bot Einblicke in das Talent des Schauspielers, mit Shakespeare sehen eine weitere vollständige Fusion zwischen dem Text und dessen Ausführung. Shakespeare, im Gegensatz zu Marlowe schrieb Chordrama, echte Theatermaschinen, in der jeder Mensch auf die Schärfe des Ganzen beiträgt. Er wollte nicht auf die Expertise von Richard Burbage sondern nur, dass eines eng verbundene Gruppe verlassen. Es war der Abschluss eines echten "Theaterhandwerk", wie bereits erkannte die britische Gelehrte Muriel Bradbrook nell'intitolare seiner Studie, in der Tat, Shakespeare der Handwerker, in dem das Schreiben des Drehbuchs ging Hand in Hand mit der Arbeit der Bühne, die Messung der Rollen auf Dolmetscher, dessen beste Eigenschaften waren in den Bau der Zeichen ausgenutzt werden. Die meisten Dramatiker schrieb, wie Shakespeare, in Versen.

Leben Akteure

Auf der Grundlage eines Systems agierende Unternehmen funktioniert Material: im Gegensatz zu den modernen Produktionen, die für Monate oder Jahre in einer Reihe laufen, die Truppen selten rezitierte das gleiche Stück 2 Tage gerade. Ein Spiel bei Chess Thomas Middleton hatte neun aufeinanderfolgenden Aufführungen in August 1624, bevor es von den Behörden geschlossen, aber das war aufgrund der politischen Inhalte des Spiels und war einzigartig, beispiellos und unwiederholbar. Angesichts der Saison 1592 von Lord Strange Männer an der Rose als repräsentativste: zwischen 19. Februar und 23. Juni das Unternehmen für sechs Tage die Woche gehandelt, außer Freitag und noch zwei Tage, die Durchführung in 23 verschiedenen Werken, manche nur ein Zeit und das 15-fache ihrer beliebtesten Stück der Saison, der erste Teil der Hieronimo. Die Unternehmen haben noch nie die gleiche zeigen zwei Tage lang und nur selten die gleiche Show zweimal vertreten in der Woche.

Um eine echte Persönlichkeit, menschlich nahe an den Menschen zu bauen, war nicht in Gebrauch ist in der Gewohnheit, die sich nach und nach im Theater und in der romantischen bürgerlichen Theaters in Bezug auf die landschaftlichen und costumistico üben, eine genaue Treue zum historischen Periode wird. Verwenden der Schauspielerinnen wurde ebenfalls gesetzlich verboten, und es war für das siebzehnte Jahrhundert, auch nach der puritanischen Diktatur. Die weiblichen Figuren wurden somit durch männlichen Jugendlichen vertreten, aber das hat nicht den Erfolg der Darstellungen, die von den Zeugen der Zeit und durch die anhaltenden Proteste gegen die Theatergruppen versuchten von den Direktoren der Puritaner Stadt verringern.

Nur der Schutz erweitert, um die Besatzung von den Fürsten und dem real - wenn die Schauspieler trugen ihre Bemalung konnte nicht in der Tat verhaftet werden - konnte Shakespeare und seine Gefährten von den Überzeugungen der Gottlosigkeit von den Gemeinden puritanischen gestartet speichern. Die Namen vieler Theatergruppen stammen gerade aus dieser Form des Mäzenatentums: die Männer des Admirals und die Männer des Königs waren nur "Männer Admiral" und "Menschen der Souverän." Ein Unternehmen, das nicht einen mächtigen Förderer hinter hatte könnte in ernsthafte Schwierigkeiten geraten und zu sehen, die Shows abgesagt Nacht.

Um diese Probleme wurden hinzugefügt, für die Schauspieler, sehr niedrige Löhne.

Theatergruppen

  • Die Männer des Admirals
  • Das Spiel der Macht
  • Herr Chamberlains Men
  • Queen Anne Herren
  • Worcester Herren

Die Werke

Interesse an Italien

Dieser Wunsch nach Erneuerung und Moderne auch nach London zu verbreiten. Selbst behauptet, Berichte über angebliche Reise in das Land der Machiavelli, wie die unglücklichen Reisenden von Thomas Nashe, schien die Begeisterung der Öffentlichkeit zu verringern: die Amoralität des Prinzen und den Stimmen der päpstlichen Verschwörungen statt geholfen, Interesse am Leben zu erhalten für Italien. In der Hauptstadt gab es eine auffällige Community italienischer Einwanderer: mit ihnen Shakespeare, Christopher Marlowe, der zweite größte Dramatiker, und seine Zeitgenossen hatte wahrscheinlich Beziehungen der Freundschaft und professionelle Zusammenarbeit pflegen häufig.

Der Erfolg von Seneca

Im Zeitalter der Shakespeare waren nicht viele, die die Spiele in Latein und noch weniger in der griechischen Sprache, die erst dann beginnen, zu wissen, zu lesen. Die Werke von Seneca, bereits Gegenstand von großem Interesse für den italienischen Humanisten verbreitet vor allem durch Anpassungen so Italienisch, die sich stark von dem Geist der ursprünglichen abweichen. Sie wurden in der Darstellung dieser Szenen von Gewalt und Grausamkeit, die der Autor anstelle zu den Zeugenaussagen betraut enthalten. Aber es war der italienischen Version, wo das Böse ist in seiner Gesamtheit präsentiert, zu gefallen die elisabethanische Dramatiker und das Interesse der Öffentlichkeit gerecht zu werden.

Die Tragikomödie und Romantik

Ein Drama ganz auf die Wirkung der Szene verbunden und macht Halt auf Emotionen manchmal gewalt assoziierten ihn Leidenschaften der Liebe mehr morbide: das alte Bild von Hand mit so viel Licht gemalt wiederhergestellt Farben stark genug, um zu löschen fast berühren seine Künstler. Es war vielleicht kein Zufall, dass die gleichen Renaissance Dramatiker zusammen gearbeitet, um Werke von "gemischten" Typ, wie pastorale oder Tragikomödie, die Verschmelzung von Komödie und Tragödie, Satz von tragischen, komischen und Romantik.

Die Verunreinigung des Genres in der Renaissance beliebt wurde auch durch die Elisabethaner, dessen Tragödien und Komödien, behält jedoch eine realistischere und ironischer Distanz akzeptiert. Der Sturm hat eine Menge Tragikomödie, aber die Ironie und der Humor der Charaktere, die Tiefe der philosophischen Erforschung geben ihm mehr Spielraum. Das gleiche gilt für viele andere große Komödien scespiriane und elisabethanischen, in dem der Comic auf die tragischen Mischungen tödlich, wie überhaupt geschieht in modernen Kinos gesagt werden. Die Beats des Hofnarren des König Lear und der Wahnsinn des Königs selbst durch den Verrat seiner Töchter, die alle war liebevoll angesichts der Schäden erforderlich komische Entlastung für die Öffentlichkeit zur gleichen Zeit machen es zeichnen sich, wie die Wirkung der Hell-Dunkel, die persönliche Tragödie der Schande Lear und der nationalen England vom Bürgerkrieg zerrissen.

Innovationen als die kontinentalen Theater

Die elisabethanischen Ära, wurde aber nicht beschränkt auf Modelle anzupassen: vergeben erneuert das Messgerät mit Blankvers oder jambischen Pentameter, die recht eng zu unterdrücken folgtdie lateinische Senecan, die Befreiung der dramatischen Dialog dall'artificiosità der Reim, und blieb die Ordnungsmäßigkeit der fünf Fuß des Verses. Die Blankvers wurde von der Earl of Surrey im Jahre 1540 eingeführt, als er veröffentlichte eine Übersetzung der Aeneis Verwendung dieser speziellen Versform, aber es war nicht bis zum Gorboduc Sackville und Norton, weil es in dem Drama kam. Die Idee, mit einem Messgerät ähnlich hatte, Surrey Eigene Übersetzung in Versen der Aeneis Caro kommen. Die elisabethanischen Theaters führte auch eine Reihe von Avantgarde-Theater-Techniken, die Jahrhunderte später von Film und Fernsehen verwendet wurden. Das Stadium der Ende des sechzehnten Jahrhunderts Englisch verwendet eine häufige und schnelle Abfolge von Szenen, die schnell vorbei sind von Ort springenden Stunden, Tage, Monate mit einer Agilität fast gleich der des modernen Kinos zu Ort. Die Blankvers spielt einen nicht unerheblichen Teil geben die Poesie Spontaneität des Gesprächs und die Leichtigkeit der Schauspielerei.

Die Poetik des Aristoteles, der die Einheit von Zeit und Handlung im Drama definiert ist, gelang es ihm, sich besser auf dem Kontinent zu etablieren: einige Klassiker zertifiziert akademischen wie Ben Jonson folgte auf den Brief die Vorschriften, aber diese Zeichen nicht das Leben von denen haben Shakespeare, Rest der "Typen" oder "Masken". Es war dank der Verzicht auf die Regeln, die der elisabethanischen Theaters war in der Lage, die neuen Formen, in denen Shakespeare, Beaumont, Fletcher, Marlowe und viele andere gefunden fruchtbares Feld für ihr Genie zu entwickeln.

Moderne und Realismus der Figuren

Die Neuinterpretation des klassischen elisabethanischen brachte daher eine Welle von Innovationen in Geschichten jetzt tausendjährigen, preist eher die universellen Eigenschaften von großem historischen und legendär. Neben dem Design und Techniken, sind soziale Fragen auch in einer modernen Art und Weise angegangen, in all ihren psychologischen Komplexität konsolidiert brechen gesellschaftliche Tabus. Denken Sie Liebe "verboten" Romeo und Julia, zwei Jungen von vierzehn Jahren, die in den nächsten Tagen entscheiden, zu heiraten und laufen weg von zu Hause; denken Sie an die Darstellung der Selbstmord der Liebenden. In König Lear, ist die Aufgabe des alten Königs von den Töchtern das beherrschende Thema. Qualitäten, die, weit entfernt von "schlechter" der Charaktere, machen sie, wie wir, die zeigt, wie diese Ära uns tief noch berührt.

Das Spiel im Spiel

Das elisabethanische Theater ist ein "Freilichttheater" nicht nur in seiner wahrsten scheint durch das Gefühl der Selbstironie der Schauspieler und der elisabethanischen Dramatiker demonstriert. Der Schauspieler liebt es, an die Öffentlichkeit "zwischen den Zeilen" zu sprechen, vielleicht, um Spaß des Zeichens selbst, der Rezitation ist zu machen, Zeit die ironische Distanz des Theaters von Bertolt Brecht. Für diese Art von Spieler die elisabethanische Dramatiker erfindet das Spiel im Spiel. Dies wird in der Maske des Tempest gezeigt, aber die bedeutendsten Beispiel ist vielleicht, dass der Weiler, in dem der junge Thronfolger Dänemarks heuert eine Truppe von Wanderschauspielern zu tun, stellen in den Augen des Claudius, der im Verdacht Mord an seinem Vater, ein Drama, das den angeblichen Mord rekonstruiert. Die Überraschung endet Claudio steigt schockiert und entsetzt, so das Gericht. Daraus ergibt sich die junge Hamlet wird von der Schuld seines Stiefvaters überzeugt, Plotten seine Ermordung. Obwohl die ursprüngliche Version des Widerspenstigen Zähmung wird als Theater im Theater aufgebaut: das Spiel beginnt mit der Szene, in der der Trunkenbold Sly wird von einem Herrn, überredet, eigentlich ein reicher Mann schlafend für Jahre und wird dann aufgefordert, um eine Darstellung des Reisens Akteure mit dem Titel finden Sie unter "Der Widerspenstigen Zähmung". Wir könnten viele weitere Beispiele dieser Art zwischen den Elisabethaner zu finden, später erfolgreich wiederhergestellt mit dem "Kino Kino", sondern auch mit dem "Theater im Kino."

Einfluss im Laufe der Jahrhunderte

Während der elisabethanischen Theaters behielt ihre strukturelle Einfachheit, die kontinentale, italienische Beispiel wurde es abhängig von Spezialeffekten. Von hier aus zum Theater "illusionistische" moderne war ein kleiner Schritt. Es stimmt, dass aus dem zwanzigsten Jahrhundert gab es viele Avantgarden, die neue Lösungen eingeführt haben, aber nur selten der Öffentlichkeit fühlte in diesen Initiativen beteiligt und man kann sagen, dass es noch ein langer Weg zu gehen, um in der Popularität des Kino und Theater zu bringen Fernsehen.

Ein Theater, das Filme machen

Das elisabethanische Theater und Shakespeare insbesondere waren ihrer Zeit voraus scheinbar bewiesen - sagte Anthony Burgess - durch den Erfolg der Verfilmungen und Fernsehdramen, fast die Spiele gerade für moderne Publikum geschrieben worden. Es kennt den Erfolg von Romeo und Julia von Zeffirelli. Paradoxerweise scheint eine solche Anpassungsfähigkeit ins Kino, um durch präzise auf das Erbe von den mittelalterlichen Geheimnisse, Wunder und von der Moral bleiben, Darstellungen von populären Charakter, die statt ersten über die Kirche in den großen Plätzen oder in Ausstellungen nahm und dann. Es das Fehlen von Kulissen und Kostümen entfernt den Erfolg der Leistung in den Händen des Schauspielers gelegt. Die Notwendigkeit für die Improvisation und das Fehlen von mehr anspruchsvolle Theaterarchitekturen, die den Schauspieler in der Krise setzen befreite ihn von übermäßiger Zwänge der Inszenierung während der Mangel an Spezialeffekten Suppli poetische Erfindung Neuerstellung in seinem reichen Beschreibungen, ein bisschen ", wie es geschieht Sie Radio im Vergleich zum Fernsehen, was "fehlt", bereichern über die Maßen die dramatische Sprache.

Hier sind einige Filme auf der Grundlage des elisabethanischen Theaters.

  • Shakespeare in Love
  • Die Tragödie des Macbeth
  • Mehrere Filme aus König Lear angepasst
  • Weiler
  • The Tempest
  • Romeo und Julia von Franco Zeffirelli
  • Doktor Faustus
  • Volpone
  0   0
Vorherige Artikel Herr Johnson
Nächster Artikel Bagnoli Friularo classic

Kommentare - 0

Keine Kommentare

Fügen Sie einen Kommentar

smile smile smile smile smile smile smile smile
smile smile smile smile smile smile smile smile
smile smile smile smile smile smile smile smile
smile smile smile smile
Zeichen übrig: 3000
captcha