Filmgeschichte

Der Film, der in seiner Geschichte hat sich über mehrere Phasen und Perioden, die von den ersten rudimentären "Experimente" der Gebrüder Lumière, um moderne digitale Filme, voller Spezialeffekte hauptsächlich mit Computer-Grafik gemacht führten weg.

Precinema

Die Kameraarbeit als Projektion bewegter Bilder verstanden hat viele Vorfahren aus dem antiken Welt. Im Osten gab es die Darstellung der Schattenfiguren, während in Europa haben wir optische Untersuchungen an Projektionen durch Linsen seit 1490, mit Leonardos Dunkelkammer. Allerdings war es dem siebzehnten Jahrhundert, die die engsten Vorfahren an den Kinoerlebnis geboren wurde, die magische Laterne, die an einer Wand in einem dunklen Raum auf Glas gemalten Bildern und von einer Kerze beleuchtet in einer geschlossenen Box, mit einem Loch mit einem Objektiv projiziert. Ähnliche, aber entgegengesetzter Weise des Genusses war der Neuen Welt, ein geschlossener Kasten innen beleuchtet, aber Sie müssen nach innen zu schauen, um die Bilder zu sehen Nachtbeleuchtung typisch Fuß zwischen dem achtzehnten und neunzehnten Jahrhunderts, machte es möglich, auch mit tag, draußen.

Nach der Geburt der Fotografie begann, Lupenwiedergabe in aufeinander folgende Aufnahmen zu studieren. Unter Verwendung der Prinzipien der optischen Geräte der Vergangenheit an, fingen sie an, nach Möglichkeiten, um Fotos hintereinander projizieren schauen, um eine Illusion der realistischen Bewegung zu schaffen: unter den Hunderten von Experimenten auf der ganzen Welt, hatten sie erfolgreich die Kinetoscope von Thomas Edison abgeschlossen und die Brüder Lumière Cinema.

Die Brüder Lumière und Thomas Edison

Die Erfindung der Kinofilm aus dem Jahr 1885 von George Eastman, während die erste Filmaufnahmen wird angenommen, Roundhay Garden Scene, kurz von 2/2, am 14. Oktober 1888 von Louis Le Prince gemacht werden. Die Kameraarbeit als die Kinoaufführung einer bedruckten Folie verstanden, vor einem zahlenden Publikum, wurde 28. Dezember 1895 jedoch dank einer Erfindung der Brüder Louis und Auguste Lumière, die zum ersten Mal der Öffentlichkeit gezeigt, geboren Grand Cafe am Boulevard des Capucines in Paris, ein Gerät von ihnen patentierte, genannt cinématographe.

Diese Vorrichtung war fähig, die Projektion auf einem weißen Bildschirm eine Folge von einzelnen Bildern, die auf einer gedruckten Folie unter Verwendung eines fotografischen Verfahrens bedruckt, so dass die Wirkung der Bewegung zu erzeugen. Thomas Edison im Jahre 1889 erstellt eine Kamera und ein Bildverarbeitungs: der erste war, in schneller Folge zu schießen eine Reihe von Fotografien auf einer 35-mm-Film; der zweite darf nur ein Betrachter gleichzeitig zu beobachten, mit Hilfe von einem Zuschauer, der Wechsel der Bilder auf dem Film. Die Brüder Lumière muss aber die Idee der Projektion des Films, so dass Leser der Show zu ermöglichen, eine Menge der Zuschauer.

Sie haben nicht das Potenzial dieses Werkzeugs abgetastet als ein Mittel, um zu zeigen, wenn man bedenkt es ausschließlich für Dokumentarfilm, ohne die Bedeutung, so sehr, dass sie sich weigerten, ihre Maschinen zu verkaufen, nur verpachtet geben. Dies führte zu der Geburt von vielen Imitationen. In der gleichen Zeit begann Edison einen erbitterten Rechtsstreit um die Nutzung zu verhindern, auf amerikanischem Boden, der Französisch Ausrüstung und behauptete, das ausschließliche Recht, die Erfindung zu benutzen.

Nach ca. 500 Gerichtsverfahren, wird der Markt immer noch liberalisiert werden. Im Jahr 1900 gaben die Brüder Lumière die Rechte an ihrer Erfindung, Charles Pathé. Kino verteilt, so sofort in Europa und dann in den Rest der Welt.

Inzwischen hat die Film aufgezeichnet einige durchschlagenden Erfolge der Öffentlichkeit: Angriff auf die amerikanische Zug Edwin Porter entvölkert in den Vereinigten Staaten, während der Reise zum Mond des Franzosen Georges Méliès, der Vater-Fiction-Film, war ein weltweiter Erfolg. Getestet wurden die ersten Spezialeffekte rein "cinematic", das heißt die Tricks der Montage, Überlagerungen, Einzelaufnahmen, usw. Sie erläutert auch die ersten rudimentären Techniken der Filmsprache: die subjektive, die lineare Editing, den passenden Achse, die Kamerabewegungen.

Die Erzählkino

Die Ursprünge des Kinos, die "Sehenswürdigkeiten mostrative", wurde verwendet, um eine Geschichte, die notwendigerweise von einem Erzähler oder Scharlatan im Publikum erläutert wurde zu zeigen. Auch die Geschichten waren oft unorganisiert, anarchisch, mehr Sorgen um die Bewegung und die Spezialeffekte zu zeigen, um etwas zu sagen. Nur die britischen Kinos, in der Tradition des viktorianischen Romans, war genauer in den Geschichten erzählt, ohne Zeitverschiebungen und große Ungereimtheiten.

Die Geburt eines Films, der Geschichten erzählt allein ist eng mit den sozialen Veränderungen des frühen zwanzigsten Jahrhunderts verbunden: von 1906 Kino lebte seine erste Krise, die Abnahme von öffentlichem Interesse sind. Die Rettung war jedoch dank der Schaffung von großen Screening-Zimmer zu sehr günstigen Preisen an die Arbeiterklasse gerichtet, als billige Unterhaltung und Spaß waren geboren "Nickelodeon", wo es war undenkbar, eine Person zu verwenden, um die Ereignisse des Films zu erklären, so dass die Film begann, verständlich automatisch zu sein, mit der die meisten einfachen und expliziten Inhalten und den ersten Titel.

Geburt einer Nation Amerikaner David W. Griffith wird weithin als der erste echte Film im modernen Sinne zu betrachten, wie sie versuchen, eine neue "Grammatik" zu kodifizieren. Nach anderen Kritikern ist Cabiria, Colossal Italienisch von 1914 unter der Regie von John Pastrone berücksichtigt den Höhepunkt jener Jahre und ein Modell der Erzählung, Fotografie, Bühnenbild, Spezialeffekte und Dauer werden. Auf der anderen Seite, auch die Definition von Cinema Narrative geht in diese überlappen, und vielen anderen Fällen mit den Definitionen des gesamten Filmhistoriker, historische Quo Vadis, in Tracht.

Es geht in diesen Jahren, die Form ein Strom zu nehmen, bis zum Ende des Stummfilms, der das Einführen eines caption "Verschmutzung" sieht. Die Kunst der reinen Erzählkino wird oft auf die Zahl der Einsätze Text bezieht; weniger, der Film ist verständlicher und gut gebaut. In diesem Fall ist es als Meisterwerke der späteren Filme vor allem expressionistische deutsche und russische wie Aurora, dem Schreiben, Mutter zu betrachten.

Stummfilme Hollywood

Mit den ersten großen Erfolgen des Stummfilms, wurde schnell klar, dass die Produktion des Films könnte eine fabelhafte Sache sein, wie zum Beispiel, um die Investition der großen Geldsummen zu rechtfertigen: ein Film, gelingt es lohnt sich oft die Kosten für die Erstellung und verteilen. Auf der anderen Seite sind eine Verschwendung von Geld, wenn sie Geschmack des Publikums trifft.

Als klar wurde, an die Erzeuger, die Menschen affezionava Akteure er sah auf den Bildschirm, auf der einen Seite diese Befestigung Förderung öffentlich favorisiert Künstler, die Freude, den Zuschauern gezeigt hatte, um sie noch beliebter, und die andere fing an, sie ein zu zahlen wesentlicher Teil dieser Gewinne, um sie für die späteren Filme mieten: Filmstars auf Erfolg begann, nie dagewesene Zahl zu gewinnen und so wurden die ersten Sterne, die ersten Sterne geboren.

Radio- und Zeitungsverlage, die ihrerseits waren froh, in der Lage, neue Themen zu ziehen und interessant für ihre Leser: der Prozess wird von ihm selbst angeheizt und begann die Menge der genannten Sternsystem Promotion-Aktivitäten, die nicht Fahrzeug nur die einzelnen Künstler, sondern auch ihren hohen Lebensstandard.

Die Tatsache, dass ein Schauspieler nicht über andere Qualitäten, die die Öffentlichkeit zu gefallen, und dass die im Entstehen begriffenen Filmindustrie versuchen ständig neue Spieler und würden ihre wirklichen Vermögen bezahlen, und sie genossen enormen Ruhm konnte er zum Götzendienst zu erhalten, machte das Handwerk der Filmschauspieler ein Traum, eine Fata Morgana, die die Phantasie der Massen erfasst: jeder wollte Schauspieler werden.

Die europäischen Avantgarde

Während die Vereinigten Staaten war die Entwicklung eines klassischen Erzählkino, für ein breites Publikum bestimmt ist, die künstlerische Avantgarde in Europa entwickelt eine Reihe von Experimentalfilme, die, wenn auch in der Zahl und in der tatsächlichen Ausbreitung begrenzt waren für den nächsten Film von großer Bedeutung. Zu den wichtigsten Autoren gab es die italienische Anton Giulio Bragaglia, die spanische Luis Buñuel und Salvador Dalí, die Russen Dziga Vertov und Eisenstein selbst, die Französisch René Clair und Fernand Léger, der dänische Regisseur Carl Theodor Dreyer.

Eine separate verdient Deutschland, wo die Anwesenheit von einigen der besten Regisseure, Schauspieler, Schriftsteller und Fotografen der Zeit für die Gründung innovativer Arbeiten erlaubt, sondern auch von der Öffentlichkeit als auch der Grundpfeiler des Weltkinos zu schätzen. Die drei Hauptbereiche in Deutschland waren expressionismus, Kammerspiel und der Neuen Sachlichkeit. Zu den berühmtesten Regisseure müssen gemeldet werden mindestens Friedrich Wilhelm Murnau, Georg Wilhelm Pabst und Fritz Lang.

Einführung von Schall

Die Fähigkeit, um Bilder zu synchronisieren Sound ist so alt wie das Kino selbst: die gleiche Thomas Edison hatte einen Weg, um Ton, seine Kurzfilme hinzuzufügen patentiert. Aber wenn die verschiedenen Experimenten erreichten sie einen annehmbaren Qualitätsniveau, jetzt sind die Studios und Kinoverleih wurden besser für die Produktionsänderungen organisiert, so das Aufkommen der Sound wurde als unnötig und lange verzögert. Der Stand der Dinge plötzlich verändert, als Warner, vor dem Bankrott, beurteilt nicht, etwas zu verlieren haben und jetzt riskiert wirft den ersten Tonfilm. Das Jazz-Sänger im Jahr 1927 und war ein Erfolg über den Erwartungen: in wenigen Jahren die neue Technologie herrschte vor allen anderen Produktionsfirmen American, und dann mit denen der Rest der Welt. Die Technik wurde im Jahr 1930 weiter verbessert, die Schaffung von zwei neuen Aktivitäten, Synchronisation und Ton.

Diese Nachricht verursachte ein Erdbeben in der Filmwelt: geboren neue Inhalte geeignet, um den Sound und neue Techniken zu verbessern. Mit Sound und Musik, Theaterschauspiel, die geltend gemacht Schauspieler Stummfilm erschienen übertrieben und lächerlich, als auch, nach ein paar Flaschen die Stars der Stummfilme verschwanden en masse aus der Szene, und stieg auf eine ganz neue Generation von Dolmetschern Prominenz , mit Gerüchten über eine angenehmere und Schauspiel-Technik auf das neue Kino am besten geeignet.

Das klassische Kino

Ab 1917, legt es das Konzept des Films als eine Geschichte, als eine visuelle Roman: der Betrachter wird zur Mitte des Films gebracht und beteiligt sich an Vorstellungskraft, in genau der gleichen Weise, ein Buch zu lesen, mit rekonstruierten ' Phantasie alle Details der ungeschriebenen Geschichten erzählt. Und wie in der Fiktion, beginnen, in Folie von sehr spezifischen Genres hervorgehen: Abenteuer, gelb, Komödie, etc., mit allen Stilregeln sehr spezifisch zu folgen.

Dieser Quantensprung wird durch die Entwicklung der Techniken der Montage, die mit alternativen Einbau, Montage und Befestigung analytischen zusammenhängenden, ermöglichen das Überspringen von einer Szene zur anderen und von einem Standpunkt aus zu einem anderen ermöglicht, ohne dass die öffentlichen Überreste durch die Änderung der Rahmen verwirrt, wodurch die Geschichten noch zwingender, und verringert die Pausen Erzählung. All dies, ohne dabei zu abrupt Sprünge zwischen den Szenen. Amerikanischen Kinos wird schnell klar, wie wichtig die Dynamik und Geschwindigkeit, und gegen Ende der dreißiger Jahre ein amerikanischer Film im Durchschnitt 600 bis 700 Aufnahmen, etwa das Dreifache des Durchschnitts der vor zwanzig Jahren enthält.

Alle diese Regeln guter Bearbeitung wird in der Hays-Code erforderlich, Codes für die Annahme der Filme von den Studios erforderlich.

Inzwischen Kino bekräftigt seine Bedeutung, da immer mehr Massenmedien. Selbst Papst Pius XI wollte in der Debatte über den Nutzen des Kinos mit der Enzyklika Watchers Pflege 29. Juni 1936 zu intervenieren, mit dem Argument, dass die Filmvorführungen sollte nicht "nur dazu dienen, die Zeit zu vertreiben", sondern "kann und muss das Publikum zu erleuchten und positiv leiten sie an der rechten Seite. "

Kino und Hollywood

In warmen und sonnigen Los Angeles, Kalifornien, in den späten Teenager-Jahren sammeln Geschäftsleute gerne in Filmen und Regisseuren, die die chaotische New York bevorzuge das milde Klima der California Stadt, um Filme zu drehen investieren. In den frühen zwanziger Jahren in Los Angeles weiter in den Sektoren Industrie und Landwirtschaft zu entwickeln, und in kurzer Zeit in der Umgebung treffen sich eine Reihe von Häusern von Filmproduktionen, von den Universal zu MGM, Hollywood und so war geboren, und die mythischen Bereich, der noch Es umgibt.

Bald wird der Film eine echte Handelsprodukt: Schauspieler und Schauspieler decken Bildern von Magazinen und werden von der Öffentlichkeit fast, als ob sie Götter waren zu sehen; Regisseure wie DW Griffith und Cecil B. DeMille, alternative künstlerische Produkte, um anderen von den Studios gesteuert. Und Charlie Chaplin, unabhängiger als Künstler und als Produzent, machte seine comic lustig machen über die Gesellschaft.

In den dreißiger Jahren gründete das Studio-System: Studios drücken Sie rund um die Sterne, und sogar das Image, neigen zu fangen sie in stereotypen Charaktere. Er wird über das zu sprechen "goldene Zeitalter des Kinos." Inzwischen Genres wie Komödie und Liebesdrama verrückt, aber nach der Weltwirtschaftskrise wird ihren Weg machen, um zu erzeugen, realistischer und sozialkritisch, wie "Gangster-Film" und dem noir, letztere in der Regel mehr während des Zweiten Weltkriegs entwickelt. Aber in diesem Jahrzehnt ist es die musikalische Harfe werde Meister, mit Fred Astaire und Ginger Rogers, die Zuschauer gerne entkommen anzufeuern. Teil gegen Ende des Jahrzehnts auch die Revolution von Technicolor, dass der Farbfilm, wie beispielsweise die berühmten Winde verweht von Victor Fleming.

In den vierziger Jahren das Studio-System endet, weil der Bundesgesetze, die Studios Eigentum an Kinos zu berauben, aber während des Zweiten Weltkrieges sie nicht aufhören, um Funken noch produzierende Stars und Filme von großem Wert. Schauspieler wie Cary Grant, James Stewart, Gary Cooper und Henry Fonda in dieser Zeit zu echten Stars und Lieblinge des Publikums. In der Zwischenzeit hat er nie verloren die Möglichkeit, die Werte der '' American Way of Life "hervorheben: wir denken, Idealisten Regisseuren wie Frank Capra und Chauvinisten Schauspieler wie John Wayne, in seinem unvergesslichen Western. Im Jahr 1942 wurde er von Michael Curtiz Casablanca, einer der wichtigsten Filme und der Filmgeschichte, das zwar einen romantischen Film hat sich in der Lage, mit Würde zu bewältigen, das Problem des Krieges, den Partisanen und den Vormarsch Nazi gewesen und startete berühmten erschossen Sterne-System Humphrey Bogart und Ingrid Bergman.

In der Zwischenzeit jedoch neue Künstler wie Orson Welles verzerren die normale Art und Weise, Filme zu machen, und in den fünfziger Jahren die Konzeption der "Sternsystem" ändert, wie im Fall des Blut Marlon Brando und James Dean, der an den Bildschirm ein wahrscheinlicher als gebracht der Realität entsprechen. Gleichzeitig explodiert, vor allem dank der Regisseure wie Billy Wilder und George Cukor, der "amerikanische Komödie", die ihre Hochburgen in Meisterwerken wie Some Like It Hot, The Philadelphia Story und die Wohnung hat.

In den sechziger und siebziger mittlerweile alten Hollywood ist nur ein Speicher, und die "New Cinema" macht seinen Weg zu kritisieren Heuchelei und Schande des alten Amerika, um die Arbeit der gewagten Regisseuren wie Francis Ford Coppola, Woody Allen, Stanley Kubrick und Martin Scorsese und Schauspieler wie Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Robert De Niro und Meryl Streep. Es ist eine Revolution in der "alten" Hollywood. Filme wie Easy Rider und The Graduate mit Low-Budget gedreht und sie Rekordeinnahmen unvorstellbar, auch beleuchtet Majors, die allmählich zu Beschränkungen fallen tat stilistische Hays-Code, die außerhalb der der Film einen starren Moralkodex auferlegt sie produziert wurden. Nur erkannten sie, dass die jüngere Generation im Gegensatz zur US-Politik der Expansion und Seriosität heuchlerisch maskiert, um zu hören, was genau wurde von der Produktion zensiert wollten sie.

In den Jahren nach dem Film als eine Herausforderung wird das Vorrecht der europäischen Kinos zu sein und nach der 70 macht seinen Weg nach Hollywood Kino als reine Unterhaltung, um die Erhöhung der Science-Fiction von Unheimliche Begegnung der dritten Art Steven Spielberg und Star Wars von George Lucas. Wenn auch mit einem anderen Ansatz, um das Kino und den Sternen, Hollywood noch weiter zu Träumen und Emotionen zu geben.

In den achtziger und neunziger Jahren die Ankunft einer neuen Generation von talentierten Regisseuren wie Quentin Tarantino, Tim Burton und David Lynch Film, interessante und innovative erstellt wurde, nie vergessen, die Vergangenheit.

Cinema und Europa

Wenn Amerika war Hollywood der Film Hauptstadt in Europa, nach dem Zweiten Weltkrieg wurden in vielen verschiedenen Ländern Filmschulen geboren, aber alle von dem Wunsch, die Realität darzustellen vereint. Es wird dann wichtig, italienischen Neorealismus und ihre wichtigsten Regisseure: Luchino Visconti, Pietro Germi, Alessandro Blasetti, Roberto Rossellini und Vittorio De Sica. Filme wie Rom, offene Stadt, Schuhputzer und The Bicycle Thief inspirieren und faszinieren verschiedene Regisseure der Welt, wie japanische Akira Kurosawa. Auch nach der Periode streng neorealistischen, Italien eine neue Generation von Regisseuren, auch neorealistischen rühmen konnte, aber in einer anderen Art und Weise, wie Federico Fellini, Mario Monicelli, Ettore Scola, Dino Risi, Luigi Comencini.

Werden wichtige Experimente introspektiven Film von Marcel Carné, unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg gemacht und dann materialisiert in großen Filmen aus Kino Meister introspektiv Ingmar Bergman und Michelangelo Antonioni: die Realität ist nicht mehr als etwas Objektives analysiert, wird alles subjektive und mehrdeutig ist das Tempo langsam, und die Szenen sind lang und ruhig und Regisseuren näher auf Details, bevor dann vernachlässigt. Der Film beginnt das Unterbewusstsein des Regisseurs und auch die Form der persönlichen Streit klar zu werden.

, In Frankreich diese Art von Film wird jedoch eine Art berühmt und in der ganzen Welt dank der Nouvelle Vague geschätzt. Die Filme beginnen, minimalistisch, sehr persönlich zu sein, sind die Themen angesprochen intime und nicht absolut. Die Filme beginnen, drehen sich um die Probleme, die Fragen und die Zweifel der jungen Spieler und Subjektivität wird zu einem Unterscheidungselement. Daher beginnen, einige neue unabhängigen Filmemachern, Filmkritikern schon heftig, wie François Truffaut zu etablieren, mit seinem The vier Schüsse, mit Alain Resnais 'Hiroshima mon amour und Jean-Luc Godards A bout de souffle mit, dass in der Kinderfilmfestival in Cannes fand einen Punkt Begegnung und Diskussion.

Die Montage ist bewusst diskontinuierlichen, synkopierten und oft vermeidet, um Zeit in der Geschichte, die ihrerseits nicht, um jedes Detail zu erklären, was passiert, zu reduzieren. Es kann vorkommen, dass die Akteure in die Linse der Kamera, was vietatissima im klassischen Kino, wie es regelmäßig im Kino von Jean-Luc Godard, Ingmar Bergman oder, in jüngerer Zeit, in Pulp Fiction von Quentin Tarantino zu suchen.

Deutsch-Kino ist viel mehr figurative und malerischen, introspektive und manchmal epischen Geschichten, die über die einfache neoralismo gehen, wie Aguirre, der Zorn Gottes von Werner Herzog. Die Filmemacher scheinen mit unheilbaren Schmerzen und absolut, dann berühren Spikes von absoluten Pessimismus Leopardi heimgesucht und mit Lösungen ephemere und manchmal nicht existent. Dies ist der Fall von Rainer Werner Fassbinder. Andere Direktoren jedoch beim Umgang mit schweren Problemen und nicht besitzen, zeigen sie eher bereit, eine Lösung zu finden, und in der Tat, Filme zu machen voller Hoffnung und Optimismus verschleiert. Dies ist der Fall von Regisseuren wie Wim Wenders und Werner Herzog. Die wichtigsten deutschen Filme der letzten Jahre ist zweifellos Das Leben der Anderen 2006, bitter und polierten Querschnitts des Ost-Deutschland und die übermäßige Macht der kommunistischen Regierung.

Europa Osteuropa, hat eine rasante Entwicklung in den 20er und 30er Jahren vor allem auf die Meisterwerke der russischen Sergej Eisenstein hatte. Die Filme dieser Jahre gab einen erbitterten und kontinuierliche Bild von der Wohlfahrt der bolschewistischen Regierung, Bild manchmal falsch und von der sowjetischen Zensur verhängt. Während Eisenstein spuckt Filme über die russische Revolution und der russischen historischen Figuren, die anderen andere Regisseure, Filme zu machen über das Wohlergehen und Glück der Familien auf dem Land oder russische Filme von Unternehmen durchgeführt, die von Stalin. Erst nach dem Zweiten Weltkrieg, die beginnt, zu einem breiteren Film auch innerhalb der Staaten des Warschauer Paktes steigen. Der Film, vor allem nach den 60er Jahren, sind kritischer, rebellischer und manchmal sind sie stark von der Regierung roten zensiert. Regisseure wie der polnische Regisseur Andrzej Wajda ständig Förderung eines Films Rebellen und frei von Zensur, aber das wird die volle Verwirklichung erst nach 1989 haben.

Nach Jahren der Zensur wegen der Diktatur von Francisco Franco, vor kurzem hat die spanische Kino, Kino frisch und jung bereit, jede Art von Problem zu begegnen und für immer neue Perspektiven entstanden.

Digitales Kino

Bis vor ein paar Jahren, Film und Fernsehen wurden zwei unterschiedliche Medien: Film basiert seine Kraft auf die Filmqualität und das Betrachten von Filmen in speziellen Räumen, wo das Screening erfolgte im Dunkeln; TV Folge schlug für seine Fähigkeit, die Veranstaltung gleichzeitig an ihr Auftreten zu vertreten, obwohl die Qualität und Definition der Bilder waren gerade genug für eine Vision auf einem Home-Bildschirm.

Die Entwicklung der Elektronik hat dieses Verhältnis geändert. Da es in der Musik, in dem die CD am analogen LP im Filmgeschäft ersetzt, auch aufgetreten Sie versuchen, Systeme vollständig digitale Aufzeichnungs-Wiedergabe zu verhängen.

Es ist gut, sich daran zu erinnern, dass ein Bild nicht mehr als eine Masse von Informationen. Und die Informationen, die wiederum ist jede physikalische Objekt in der Lage heraus zu stehen, unterschiedlich zu sein, unterschiedlich von dem, was in der Nähe ist. In der traditionellen Kino, ist jede Information die Aufgabe, in einem analogen Sinn gesammelt werden: das heißt, dass ein anderes physisches Objekt seinen Zustand im Verhältnis zum Objekt dargestellt werden soll. Salze sehr empfindlich auf die Wirkung des Lichts - - die in einer Matrix aus Gelatine auf einem festen Träger befestigt dispergiert insbesondere das Bild wird mittels einer lichtempfindlichen Emulsion, die eine Suspension von winzigen Kristallen von Silberhalogeniden erhalten wird.

Im digitalen Kino jedoch die Information von einer Ziffer erfasst: bei einem gegebenen Raum, können wir feststellen, dass die Zahl "0" entspricht dem Weiß, und die Zahl "1" Schwarz. Auf diese Weise kann durch Zerlegen eines Bildes in Punkten ist es möglich, sie in eine numerische Sequenz zu transformieren. Es ist offensichtlich, dass je größer die Menge der numerischen Informationen gesammelt, desto größer die Genauigkeit der erhaltenen Bild sein.

Recording und Digital Imaging umfasst zwei Probleme: die erste ist die Sammlung aller Informationen, die zur Bildkomposition; der zweite betrifft die Verwaltung dieser Informationen; Diese Aufgabe ist für das Gerät, das die Zahlenfolgen in sichtbare Einheiten verwandeln. Jede Einheit sichtbar, die einen Zustand Farbe annehmen kann, auch Pixel genannt.

Nach einigen Studien wird die Genauigkeit bis zu einem 35-mm-Negativfilm 6.000.000 Pixel. Diese Messung ist jedoch von einigen kritisiert, da solche Definition ausgewertet werden entsprechend einem Parameter nicht mit dem Bild der Chemie und der Modulationsübertragungsfunktion oder MTF, die nicht notwendigerweise auf die Folie aufgebracht werden kann ersetzt werden, sondern allgemeiner auf ein Optisches System, zum Beispiel das komplexe Linsenfolie und die ein Maß für die Fähigkeit des Systems, um den Kontrast des Bildes zu erfassen.

Ein digitales Bild, um Ihnen zu erlauben, zu unterscheiden, die gleichen Angaben kann durch einen 35-mm-Film zum Ausdruck gebracht werden, es sollte von 4 Mio. Pixeln zusammengesetzt werden. Aber die Bildqualität ist aber auch andere Faktoren, wie zum Beispiel Kontrast, die Helligkeit, die Anzahl der Farben und ihre Weichheit gegeben ist, ist der Dynamikbereich hier warum die einfache Messung in Pixeln der Chemie nicht ausreichend ist alle Eigenschaften des Bildes selbst auszudrücken.

Es scheint jedoch klar, dass das digitale Kino, um gleiche und übertreffen die Film chemischen Anforderungen von Datenspeichervorrichtungen großer Kapazität; und muss auch in Matrizen, die wir nicht weniger als zwei Millionen Pixeln haben. Die Registrierung der enormen Menge an Informationen in einem Film von etwa zwei Stunden enthalten ist, kein Problem mehr dar, dank der Kapazität moderner Festplatten und optische Medien wie DVD, sowie die Verwendung von Kompressionsalgorithmen, die den Betrieb zu ermöglichen eine echte "Zusammenfassung" der Informationen.

Die aktuellen Grenzen des digitalen Kinos sind vor und nach dem Prozess der Bildaufnahme. HD-Kameras noch nicht bieten die gleiche Auflösung des fotografischen Negativs, ein übermäßiges Schärfentiefe, Belichtungsspielraum im Bereich von 8 bis 11 zu stoppen.

Wie für die Projektion entstehen jedoch andere Probleme. Es ist zu beachten, erstens, dass die sehr hohe Auflösung des Originalnegativ während der verschiedenen Schritte verloren, so dass die Auflösung der Kopie nicht mehr als zwei Millionen Pixel zu drucken. Vor diesem Hintergrund bleiben die vorhandenen Projektoren mit Digital Light Processing Technologie sollte in der Lage, eine Kerze mit dem mechanischen Projektion von 35mm-Film zu halten. Die modernsten Projektoren verwenden drei DMD-Chip zur Bildkontrolle.

Innerhalb der einzelnen DMD Mikrospiegel können sie unabhängig voneinander schwingen, um die drei Primärfarben des Lichts zu reflektieren und auf der großen Leinwand Filmbilder bilden montiert sind. Jeder Mikrospiegel ist etwa ein Viertel der Abschnitt eines menschlichen Haares. Wenn Sie denken, dass diese Maschinen verwenden Matrix mit einer Auflösung von 1920 mal 1080 vertikalen Linien horizontale Pixel gleich 2073600 ist leicht zu dem Schluss, dass das Bild die chemische deklassiert wurde. Es ist nicht so: das "Look and Feel" der traditionellen Projektion ist immer noch höher als die digitale in allen Vergleichsprojektionen, die gemacht wurden. Die Gründe dafür sind untrennbar mit dem traditionellen Projektion und nicht messbar sind nur in Bezug auf die reine Definition.

Wie bekannt ist, während der Projektion sind wir für den Betrachter 24 Bildern pro Sekunde angeboten. Digitale Projektion in jeder Bildinformation eine konstante Position, die von dem gleichen Pixel, das sich kontinuierlich ändert seinen Status generiert. In der Bild Chemie, jedoch ist die Anordnung der Einzelkristalle von Silberhalogeniden zufällig, so dass Informationen, die bei der Rate von 24 pro Sekunde folgen wird eine konstante Position nicht: die Kornstruktur, mit anderen Worten, ist dynamisch, während die von der Matrix ist statisch. Daher ist der Vergleich zwischen den beiden Formen der Bildaufnahme sehr komplex und kann nicht nur in Bezug auf Auflösung reinen ausgewertet werden.

Zu diesem müssen wir hinzufügen, dass nicht nur das digitale Kino macht Fortschritte: Selbst die Hersteller der Filme sind Geld und Energie investiert, um auf Markt Filme mit größerer Auflösung zu bringen. Bedenken Sie, dass die aktuellen Druckfolien haben eine Auflösungsleistung doppelt so hoch wie vor fünfzehn Jahren. Zur gleichen Zeit auch die Negative scheinen mehr und mehr anspruchsvoll und weit über die physikalischen Grenzen der Optik.

Auch die mechanische Projektoren schließlich weiterhin Gegenstand von nützlichen Erweiterungen Erhöhung Kontrast und Schärfe zu sein: man denke an die Direktantriebselektronik für Fahrpräzision intermittierende post - statt der traditionellenMalteserkreuz - Traktion, die die Welle der vertikalen Bild beseitigt, mit daraus folgender Erhöhung der Stabilität des Bildes, Kontrast und Feuer.

Gegenwärtig ist es daher nicht so nah an den Tag angezeigt werden, wenn alle Filme werden gefilmt und mit digitalen Techniken gescreent werden. Denn jetzt, die beiden Systeme scheinen zwar gut funktionieren, da die digitale Bildverarbeitung ist in all die Zwischenstufe zwischen dem negativen Abdruck und den Druck von der positiven Projektions gewirkt. Auf den Punkt gebracht, ist dies die aktuelle typischen Verarbeitungs eines Films:

  • auf dem Set ist die Wiederaufnahme der Bilder mit Hilfe einer traditionellen Kamera vorgesehen ist;
  • die Überführung des Materials durch die telecine der täglichen geschossen wie für das traditionelle Verfahren erfolgt
  • die Originalnegative von ausgewählten Szenen werden gescannt High Definition und dann sofort archiviert und gespeichert werden;
  • in der gesamten Abschlussprozess und Post-Produktion wird mit Hilfe von speziellen Computern mit großer Rechenleistung durchgeführt;
  • Die Sequenz des resultierenden Datei wird ein einfach negativ über ein Filmrecorder übertragen werden;
  • die negative oder Zwischen so entstanden ist, verwendet, um die interpositives und Internegativen für die serielle Herstellung von Kopien für die Projektion notwendigen erhalten.

Theoretisch könnte dieses System zu ermöglichen, eine Kopie von dem Vorsprung mit einer Auflösung gleich der des Originalnegativ erhalten; Da aus Kostengründen ist es bevorzugt, scannen die Negativ mit einer Auflösung gleich 2 k ist der letztgenannte Wert die maximale erhältlich von der negativen zur Herstellung von Folien für die Projektion bestimmt, welche wiederum eine etwas niedrigere Auflösung wird ; Wert in jedem Fall mehr als was Sie bekommen würden, wenn die letzte Kopie wird durch Rückgriff auf Zwischenkopien Analog zu gelangen.

In den späten 2000er Jahren werden wir Zeuge der Einführung von 3D-Kino, das seine Weihe in James Camerons Avatar hat, Film Spezialeffekte und außergewöhnlichen Promotor einer neuen Ära der Film, in dem HD-Technologie und Filme haben ein Ding geworden .

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Vorherige Artikel Dmitry Glukhovsky

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