Musikgeschichte

Die Musik besteht seit alten Zeiten, sicherlich seit der Zeit vor blieben historische Spur. Es gab keine Zivilisation, die früher oder später hat seine eigene Musik-System entwickelt, oder dass nicht angenommen ein, wenn auch sie an ihre Bedürfnisse anpassen oder seinem Geschmack.

Das Wort-Musik wird von dem griechischen Wort Moysa, "Muse" abgeleitet. Die westliche Vorstellung von Musik wird dann in der Regel zu den Musen verbunden ist, und in diesem Sinne spielte auf jeder Wissenschaft und Kunst, die die Idee erweckt, was ein perfektes, angenehmes und wohlgeordnet.

Die Ursprünge

Das Problem der Bestimmung der Zeit, dass die Geburt der Musik sah, ist natürlich mit der Definition von Musik, die Sie wählen, um zu erlassen verbunden. Während in der Tat, für eine theoretische System der Organisation von Klängen, um genau zu ästhetischen Referenzen verbinden, müssen wir bis zum antiken Griechenland warten, zum ersten Auftreten von einzelnen Zutaten, wie freiwillige Produktion, auch mit Hilfe von Instrumenten, Sounds von dem Mann, Wir müssen zurück in die Altsteinzeit zu gehen.

Einige Geschichten in diesem Zusammenhang können aus mehreren Feststellungen in Knochen und Stein als Musikinstrumente interpretiert abgeleitet werden. Diese werden beispielsweise pfeift Magdalénien Roc de Mercamps oder lithophones Neolithikum in der Nähe von Dalat entdeckt.

In Ermangelung von direkten Beweise oder vermittelt, einige Annahmen über die Form, die die primitive Musik nahm auch aus der Beobachtung von Menschen, deren Entwicklungsniveau ist immer noch ähnlich der von prähistorischen Kulturen, wie die brasilianischen Indianer, Aborigines, einige abgeleitet werden afrikanischen Bevölkerung.

Man kann davon ausgehen, dass die frühesten Formen der Musik wurden vor allem durch den Rhythmus geboren werden: vielleicht zu imitieren, klatschten in die Hände oder Füße das schlagende Herz, das Stakkato rennender Füße, oder Galopp; oder vielleicht zu verändern, zum Spaß und aus Langeweile, die phonations spontan während der anstrengenden Arbeit und eintönig, wie das Pfund die Weizenernte zu Mehl oder Bücken, um Pflanzen und Samen usw. sammeln Aus diesen Gründen und aufgrund der einfachen Konstruktion ist es sehr wahrscheinlich, dass die ersten Musikinstrumente Schlaginstrumente waren und vermutlich einige Variante der Trommel.

Unter den ältesten Instrumenten Sorte verwendet wird, die Schlitztrommel, die einen Hohlzylinder, mit einem Längsschlitz entlang der Außenfläche, der durch Anschlagen mit Stäbchen auf den gleichen Schlitz gespielt wurde. Die ältesten und primitivsten Versionen gefunden bestehen aus einem hohlen Stamm, aber kein Schlitz quer über einem Loch im Boden gestützt, dass vielleicht wurde es von den Spielern fällt ihm mit ihren Füßen, während sie auf ihm stehend gespielt.

Musik im Nahen Osten

Die Ausgrabungen der königlichen Friedhof von Ur und der Ikonographie der Musik, die reich verziert ist Architektur der ersten mesopotamischen Geschichte nahe, dass die Musik wurde wahrscheinlich in der typisch für die sumerische Zivilisation rituellen Formen sehr wichtig. Beispiele für Flachrelief des Louvre, von Lagash, zeigen solche Werkzeuge cordofoni ähnlich der Harfe.

In den heiligen Texten des Judentums ist zum ersten Mal auf die Musik erwähnt, wenn es um Jubal und Jubal, der Sohn des Lamech und Ada, die angeblich kommt:

Unter den Texten in Ugarit Hurriter fanden wir sind die ältesten Beispiele von Musik zu schreiben, aus dem Jahr 1400 v.Chr ca. In dieser Fragmente wurden wir die Namen der vier Komponisten, Tapšiẖuni, Puẖiya, Urẖiya und Ammiya gefunden.

Musik im Alten Ägypten

Unter den ersten Zivilisation, von denen wir Beweise gibt es, dass ägyptische Musik, in der Musik hatte eine sehr wichtige Rolle: die Legende besagt, dass es der Gott Thoth, um es den Menschen zu geben.

Unter den Werkzeugen von den Ägyptern verwendet, sind die Klapperschlangen, die das Sistrum, Hathor, der Trompete gebunden, in Krieg und verwendet heilig Osiris, der Trommeln, Laute und Flöte, heilig Amon. Andere Musikinstrument und das sehr charakteristisch für ägyptische Zivilisation ist die Bogenharfe mit einem großen Resonanzboden.

Im alten Ägypten war die Musik, religiös zu sein, sowohl für Spaß und Unterhaltung.

Mehr hoch entwickelten Waffen mussten länger warten. Der erste, der sie erscheinen vor den Trommeln waren die Blas- und Streichinstrumenten, von denen gibt es Zeugnisse der griechischen, ägyptischen und mesopotamischen vorne bis elften Jahrhundert von BC Diese Zivilisationen bereits die wichtigsten Intervalle zwischen den Tönen, die als Grundlage für einige Systeme von Treppen verwendet wurden, kannte. Eine Studie von Sachs auf Tuning Harfen zeigten, dass die Ägypter verwendeten eine Skala pentafonica Nachkomme und wusste die Skala eptafonica.

Musik des antiken Griechenlands

Im antiken Griechenland besetzten Musik eine sehr wichtige Rolle in der sozialen und religiösen Lebens. Für die Griechen war die Musik eine Kunst, die enthalten, zusätzlich zu der Musik selbst, auch Poesie, Tanz, Medizin und magische Praktiken. Die Bedeutung der Musik in der Welt Grieche ist bezeugt von vielen Mythen, die Sorge. Einer ist, dass von Orpheus, dem Erfinder der Musik, die in der Lage, um die Götter Hades zu überzeugen, zurückzukehren, um das Verschwinden Frau Eurydice Licht war.

Barden und Rhapsodien: Während der archaischen Zeit wurde die Musik nur von Fachleuten praktiziert. Sie deklamierte diese Mythen in Begleitung mit einem Musikinstrument und die Musik mündlich über. Später in der klassischen Musik wurde er Teil des Bildungssystems und so offenbart wurde. In dieser Zeit nur sehr wenige Quellen der musikalischen Schrift, die wurden nur Profis zu helfen, so dass die Musik immer noch mündlich über. Auch in der klassischen Zeit entwickelte er die Tragödie. Die Themen der Tragödie wurden aus literarischen Mythen genommen und bestand aus Dialogen zwischen zwei oder drei Charaktere mit Chorgesang durchsetzt. Die Schauspieler waren alle Männer, trugen Masken und durchgeführt, begleitet von Musik. Die Architektur des Theaters bestand aus einer Treppe in einem Halbkreis an die Öffentlichkeit, war vor der Bühne, wo sie durchgeführt die Schauspieler und die Schritte zwischen dem Orchester und die Bühne war, wo es der Chor.

Die Griechen verwendeten verschiedene Instrumente. Die häufigsten waren die Leier oder Harfe und die Aulos. Die Lira war ein Saiteninstrument, das von einem Plektrum gezupft wurden und heilig war der Gott Apollo. Die Aulos war ein Blasinstrument Schilf, heiliger zu dem Gott Dionysos. Sie wurden auch verwendet, Percussion-Instrumente einschließlich der Trommeln und Becken, besser bekannt als Platten bekannt.

Die Griechen näherte sich der Musik, um Mathematik und die Bewegung der Sterne. Pythagoras, passend zur Musik, um die Bewegung der Planeten, erkannte er, dass es auch durch genaue mathematische Gesetze. Er brachte seine Einblicke auf dem Monochord und festgestellt, dass, wenn ein Seil einen Schallpegel von einer bestimmten Höhe, um einen Ton eine Oktave höher notwendig, die Mitte des Seils vibrieren war zu erreichen; die fünfte genug, um die zwei Drittel des Seils vibriert, um zu erhalten, und so weiter.

An der Basis der Musikanlage greek gab es die vier Töne Nachkommen in einem Intervall der Quarte umfasste gebildet Tetrachord. Die beiden extremen Sounds wurden fixiert, aber die beiden Zwischenprodukte waren mobil. Die Tetrachorde wurden in diatonische, chromatische und enharmonische aus. Die Vereinigung zweier Tetrachorde bildeten eine Art und Weise, dorischen, phrygischen oder Lydian sein könnte. Abhängig von der Art der Vereinigung der Möglichkeiten, sie könnte wiederum kombiniert oder getrennt werden. Wenn ein dorischen Modus wurde eine disjunkte Tetrachord der akuten Gelenk zugegeben wurde, wurde ein weiteres Joint Tetrachord zu ernsthaften und unter letzteren note teleion System erhalten, oder perfekt ist, die Erweiterung von zwei Oktaven. Die musikalischen Rhythmus wurde auf der poetischen basiert. In entstanden griechischen Dichtung aus dem metrischen Länge der Silben: kurz oder lang, das gleiche galt in der Musik. Die kurze entspricht heutigen achten und Viertelnote lang gegeneinander. Der Rhythmus war die Vereinigung von zwei oder mehr Noten oder Silben, in rhythmische Muster angeordnet genannt Füßen. In der Dichtung gebildet die Kombination von mehreren Fuß in Richtung der Formen und die Kombination von mehreren Versen die Strophe.

Musik die Griechen zugeschrieben eine pädagogische Funktion, weil angenommen würde den Geist der Menschen zu bereichern. Nach Platon, die Musik soll die menschliche Seele wie Gymnastik nötig, um die körperliche Stärkung zu bereichern. Diese Rede wurde mit der Lehre von Ethos, für die jeder Modus hat seine eigene Ethos und kann positiv oder negativ auf die Seele der Menschen auswirken erweitert. Für Platon Arten Arten Dorian oder phrygische positiv, während die von Lydian Arten kann das Gleichgewicht rational aufgeregt. Aristoteles nahm die Einstufung in Ethos, aber das Gefühl, dass alle Mittel könnten zum Nutzen der Seele sein. Bisher Musiktheorie wurde nur vom mathematischen Standpunkt bekannt. Nach Aristoxenus von Taranto einschließlich der Bedeutung der Anhörung der Klangwahrnehmung.

Die Musik im alten Rom unter dem Einfluss des Modells greek

In hellenistischer Zeit sind wir Zeugen einer schweren Krise von denen, die die Grundlagen der griechischen Musike waren, begleitet von der Krise des tragischen Genres. Sie werden auf realen Leistung der Schauspieler, die Bühne, von deren Gepäck, Stück Filmmaterial zu kommen.

Die erste wird durch bescheidene Präsenz in Rom Musik Italic oder etruskischen Ursprungs, auch Shows kombiniert wie indigene Atellana und fescennine Verse markiert. Es stammt aus der ersten Phase der Ausbreitung Metallwerkzeuge von den militärischen Einsatz: dem Signalhorn rund, der lituus, um Bohrung quer durch den Pavillon zurückgeklappt, barreled die Tuba Bronze gerade. Der nächste wurde durch die Tatsache, dass die Römer erobert Griechenland und führte, in großen Mengen, Musiker, Intellektuelle, Künstler und griechischen Philosophen nach Rom aus. Das gesamte System wird von der Kultur lateinischen oder griechischen aus einer musikalischen Standpunkt konditioniert werden, auch mit den wesentlichen Unterschieden. Von der dramatischen Sicht wird es Tragödien und Komödien auf denen von Griechenland modelliert werden, aber mit dem Unterschied, dass anders genannt wird: coturnae griechischen diejenigen, weil die Schauspieler waren in der griechischen Halbstiefeln, wurden monodischen und Chor Ritual wesentliche Feierlichkeiten wie öffentliche angesehen Gemeinde und religiöse Feste, in Spiele; beschönigen die in Rom, weil die Römer trug einen Anzug, das Pallium.

Musik aus der römischen Welt griechischen Musiksystem geerbt, verwendet, Formen und Theorie. Im Vergleich zu der schlichten Eleganz der griechischen Musik mit wenigen Instrumenten durchgeführt, um den Gesang zu begleiten, war die Musik der Römer zweifellos das lebendige und koloristischen, mit Elementen der italienischen Ursprungs vermischt und durchgeführt mit großer Komplex, wo es auf die massive Präsenz der Werkzeuge Atem: das Schienbein, das Signalhorn, das lituus, die Tuba. Es wurde auch verwendet hydraulische Orgel und zahlreichen Perkussionsinstrumente. Es kann daher geschlossen werden, dass die Musik war sehr beliebt in Rom ist und dass immer begleiten viele Shows einschließlich Pantomime und Shows der Gladiatoren. Wie bei den Griechen, Musik war ein wichtiger Bestandteil der Ausbildung, die Römer sie ein Urteil ganz unten war, die Beziehungen zu den Festivals und Unterhaltung statt zur Bildung von vir.

Der Gesang des Christentums im Westen und Kirchenmusik

Die Verbreitung des Christentums und damit die christliche Lied, eine entscheidende Rolle in der Geschichte der westlichen Musik gespielt. Chormusik stammt aus dem Lied von den ersten christlichen Jahrhunderten. In den heiligen Schriften lesen wir, dass das Lied war eine gängige Praxis in den Riten der jüdischen Religion: Christus selbst, zusammen mit seinen Jüngern, werden als "Sängerin" dargestellt:

Man kann eine Parallele zwischen der Funktion der Musik in den Riten der ersten christlichen Gemeinschaften und der Funktion der dekorativen Kunst, prägnant und stilisiert, die Anfänge der offiziellen Leben des Christentums ziehen. In beiden Fällen sind die Themen des Glaubens das Thema der nonverbalen Ausdrucksformen der Kunst, die leicht auch von einer Gemeinde nicht lesen und schreiben und von bescheidenen Anfängen in Erinnerung bleiben könnte.

Diese Art der "singenden Ideen" für immer an die Teilnahme der Gläubigen an der heiligen Handlung beitragen, weiter, auch nachdem die lateinische Sprache längst nicht mehr nachvollziehbar sein. Im Laufe der Zeit die Funktion hieratischen, didaktische und partizipative Musik steht auch eine dekorative Funktion soll religiösen Veranstaltungen mit den Funktionen und der Lautstärke solemnize, die Teil des Erfolges eines Instruments zugeschrieben werden kann, wie die Orgel, deren Klang Tief induziert in dem Zuhörer ein Gefühl der Vorahnung.

Die christlichen liturgischen Monodie

Da die Notation nicht im Laufe des zwölften Jahrhunderts hervorgehen, das Singen der ersten christlichen Jahrhunderten ist völlig unbekannt, und was sie wissen, stammt überwiegend aus Annahmen. Seine geschätzten Ableitung aus jüdischen Ritus setzt voraus, dass die Liturgie der ersten Jahrhunderte wurde auf der Intonation der traditionellen melodischen Formen durch sehr kleine Änderungen und wo die Rate wurde aus dem verbalen Rhythmus der Liturgie abgeleitet gebaut basiert. Darüber hinaus kann davon ausgegangen werden, dass der Zustand der Illegalität, in der die christliche Religion praktiziert wurde die Entstehung von vielen Varianten des Rituals und dann die musikalische Bezugs begünstigt.

Die Situation in 380 geändert, wenn das Edikt von Thessaloniki verhängt die christliche Religion als die einzige Religion des Reiches. Ab dem fünften Jahrhundert begann das Christentum, eine Struktur, die die Vereinheitlichung der Liturgie die Musik, die ein integraler Bestandteil war erforderlich und daher auch zu geben.

Es kann angenommen werden, dass die ursprüngliche Form der liturgischen Musik war monophon und basierend auf Schwankungen in der Tonhöhe um eine Wurzel, Veränderung, die durch die Prosodie der Worte des heiligen Textes diktiert wurde, in der Art von Musik genannt Silben. In diesem Stil, der die meisten der Masse dominiert, wurde im Laufe der Zeit überlagert, eine zweite Art, zunächst auf Zeiten mehr Wert wie der Gabenbereitung beschränkt ist, in dem ein Solist sang den Text frei variiert die Tonhöhe innerhalb einer elbe Silbe in einem Stil namens melismatische.

Übertragung von Musik geschieht an dieser Stelle auf mündliche Überlieferung und durch Singen Schulen, deren Präsenz in den großen Zentren der Anbetung wird bis zum vierten Jahrhundert bezeugt. Neben der entsendenden Schule, ist es wahrscheinlich, dass die Improvisation und die Fähigkeit der einzelnen Sänger determinassero weitgehend die Musik für den liturgischen Gebrauch.

Gregorianischer Choral

Die frühen sechsten Jahrhundert gab es mehrere Bereiche in der westeuropäischen liturgischen, jedes mit seinem eigenen Ritus konsolidiert. Tradition hat es, dass am Ende dieses Jahrhunderts, unter Papst Gregor der Große hat den entscheidenden Impuls zur Einigung Riten und Musik zugrunde liegenden hatten.

In Wirklichkeit gibt es Grund zu der Annahme, dass die Vereinigung geschieht fast zwei Jahrhunderte später von Karl dem Großen und unter dem Impuls der politischen Einigung, die der Geburt des Heiligen Römischen Reiches führte. Die Zuschreibung an Gregor der Große würde die eingeführt wurden, um den Widerstand gegen Veränderungen der verschiedenen kirchlichen Kreisen, gezwungen, ihre Traditionen zu überwinden.

Das Produkt aus der Vereinigung von zwei der wichtigsten Rituale, die alt-römischen und gallischen wurde in der sogenannten Gregorianischen Antiphonar kodifiziert, die alle Songs in der Liturgie enthalten dürfen vereinheitlicht. Diese Vereinigung klassifiziert die Stücke der Kirchenmusik in den Einsatz nach einem System von Wegen, inspiriert - zumindest dem Namen nach - auf den Wegen der griechischen Tradition.

Schreiben neumatica

Der Gregorianische Reform ersetzt das Studium der Texte auf die mündliche Übertragung der Gesangsschulen der Herkunft, zu opfern, zusätzlich zu regionalen und mikrotonale Intonation auch die Rolle der Improvisation. Zur gleichen Zeit schuf er die Notwendigkeit, "note" Texte um zu helfen, die Sänger, die Musik in der gleichen Weise durchzuführen, mit einer melodischen Linie, die ihre Richtung, klettern oder Abstammung. Dieser Bedarf entstand speziellen Zeichen, die zwischen den Zeilen der Codes, die das Fortschreiten der Melodie angegeben, wie oben erwähnt.

Schreiben neumatica wurde der erste "Notation", aus dem dann das Wort "bekannt" moderne Musik.

Die Anfänge der Polyphonie


Der Gregorianische Reform nicht verhindern, dass im Laufe der Jahre wurden die Grundmonophone Melodien durch Amplifikation horizontal bereichert, indem Verzierungen auf die melodische Linie, als auch vertikal, indem andere Elemente in die Hand des Priesters.

Amplification horizontale nahm die Form der Interpolation von Texten und Melismen in der gregorianischen Melodie oder Originalkompositionen aus bestimmten Momenten der Liturgie, in der Regel der Hallelujah.

Die Verstärkung vertikalen, die den Beginn des ersten Polyphonie die Form von einer Verdoppelung der Stimme monophon, mit einem zweiten Sprach parallel laufen zu lassen und in einem festen Abstand gebildet sind, die nach dem Verfahren, dass es organum parallel gesagt. Die VOX organalis zunächst unterhalb der vox principalis platziert, würde noch akuter in den folgenden Entwicklungen geworden. Der Vertrag Musik Enchiriadis die Mitte des neunten Jahrhunderts, gibt Konto Organum parallel und einige seiner Varianten, die Ausnahmen von Bewegung parallel Stimmen bereitzustellen.

Abfahrt von der Herrschaft der Parallelbewegung der Elemente sollte polyphonen Techniken komplizierter zu produzieren: das war, um 1100 die Technik der Sopran, wo die Stimmen, die immer behalten Distanzen als Konsonanten, erlaubt eine freiere Bewegung abwechselnd die Bewegung parallel und Gegenbewegung.

Im gleichen Zeitraum, es zeigt eine Technik namens Heterophonie, wahrscheinlich aus dem Volkslied abgeleitet, die die Duplum führen Melisma während vox principalis intoniert, mit Werten von sehr langer Dauer, die ursprüngliche Melodie ermöglicht. Diese Praxis ist in einigen italienischen Codes der zwölften und dreizehnten Jahrhundert und zeitgenössische Dokumente von der Kirche St. Martial in Limoges dokumentiert. In diesem Stil wird es den Namen der melismatischen organum gegeben werden.

Dies waren nicht die einzigen Veränderungen in verschreibungspflichtige monophonen Gregorian: zur gleichen Zeit und Orte sind melismatischen Organum Beispiel für die Verwendung eines Sprach Drohne, Kompositionen multitestuali diese Tropen gleichzeitig, wo die Stimmen singen verschiedene Texte, vorweg, was später wird die Motette und sogar Hinweise auf das Schreiben für drei Stimmen.

Schließlich müssen wir uns daran erinnern, dass in England wurde eine Art Mehrstimmigkeit sehr verschieden von dem des europäischen Kontinents, die zugelassen sind, enfatizzandoli, dritten und sechsten Abständen als dissonant auf dem Kontinent geboren. Diese Tendenz, ausgedrückt in Kompositionen mit zweiteiligen, sie später beeinflusst Musik flämischen und würde dann in ganz Europa verbreitet, immer die Grundlage der westlichen Musik.

Guido von Arezzo

Schreiben neumatica ließ viel für die Phantasie des Lesers, und dafür war es ungeeignet für die Transkription von komplexeren Kompositionen, die eine Belastung für die Erinnerung an Sängern gestellt.

Es war das Werk von Guido d'Arezzo er sagte, dass der erste Schreibsystem diastematischen, ein Schreiben, das heißt, die benutzt wurde, um die verschiedenen Tonhöhen der Noten anzuzeigen, zu singen. Guido nannte sein System tetragramma wegen der Zeichen in einem Raster aus vier parallelen Linien eingesetzt.

Dies war der Anfang der Verwendung von Noten in der das Schreiben von Dauern wurde proportional erhalten. Die Noten, die in den Räumen und Linien positioniert wurden, gab Guido Namen entsprechend den Anfangssilben der ersten sechs Verse einer Hymne auf St. Johannes der Täufer als eine Denkschrift für die Schüler gewidmet:

Die eigentliche Innovation von Guido war, dass die ersten Silben der Hymne diente nicht nur einen Namen auf die Erläuterungen zu geben, sondern auch auf seine Intonation zu geben. Auf diese Weise könnte ein Sänger auf den ersten Blick eine nie zuvor Song, indem Sie einfach auf die Silbe der Hymne mit der gleichen Tonhöhe der ersten Note bis zum singenden Bezug zu hören zu singen begann, um eine sofortige Vorstellung von der Tonika zu haben.

Zu diesem Speichervorgang Guido benannt Solmisation. In den Jahren nach dem Tetragramm von Guido d'Arezzo, die ursprünglich mit einer variablen Anzahl von Leitungen ausgestattet, wäre es in fünf Zeilen zu stabilisieren und beachten Ut würde seinen Namen im C zu ändern, die Grundlagen der modernen Notenschrift.

Volksmusik und die alten Troubadours

Aus der Sicht der Erhaltung Musik war sie doppelt benachteiligt. Er erlitt einen Seite bis zur Erfindung des Buchdrucks in, das Schicksal, die für alle Material, das schriftlich übergeben werden sollte, dass die Seltenheit des Materials, die Mittel und die Fähigkeit, es weiterzugeben. Dazu wurde das Fehlen einer Notation, die es erlauben würden, die Musik in einer einzigartigen Weise zu schreiben aufgenommen.

Unter diesen Umständen Praktiken wurden kulturelle Vorurteile fügte hinzu, dass in der musikalischen Praxis identifiziert ein edles Teil, auf das Wort im Zusammenhang, und ein Handwerk an den Instrumentalklang zusammen. Der zweite wurde in den Hintergrund gedrängt und in seinem Service-Funktion, von links nach professionelle Musiker: Das ist zu sagen, dass populäre Musik war ausschließlich die mündliche Weitergabe anvertraut und ist komplett für uns verloren. Die wenigen Songs, die auf uns gekommen sind getan haben es oft schleichen sich in Kompositionen als würdig, überliefert: der Fall der Melodie namens L'homme armé und Melodie namens La Follia ist. Nur in der modernen populären Musik wird es anfangen wert, überliefert zu berücksichtigen.

Es ist bekannt, jedoch, dass im Mittelalter sie eine Menge von nicht-geistliche Musik produziert: manchmal, um zu feiern das mächtige, zum Theater zu begleiten, Mysterienspiele oder rezitieren Gedichte oder einfach nur, um zu tanzen. ).

Sicher ist, dass die Rezitation von Gedichten wurde oft von Musik begleitet: fast sicher viele der Gedichte wurden in der Tat nicht gesungen vorgetragen. Eine berühmte Sammlung profan, Carmina Burana, hat sich nur die Texte der Lieder der Wanderschaft Geistlichen um den dreizehnten Jahrhundert überliefert.

Ein weiteres wichtiges Zeugnis stammt aus den Zusammensetzungen der Troubadoure, der trouvères und Minnesänger, wandernde Sänger und Dichter, dessen ersten Aufzeichnungen stammen aus der Umgebung von dem XI Jahrhundert. Sprachlich diverser Herkunft, sie durch das Argument ihrer Songs, höfische Liebe und durch ihre Teilnahme vereinigt waren, in der Tat sind die Gerichte, wo es diese ritualisierte Form der Liebe verarbeitet. Die Ausbreitung der Troubadour Kompositionen begleitet die Verbreitung der Idee, dass Musikerziehung sollte Teil der Bildung eines Adligen zu sein. Wie für den Rest der Volksmassen, sondern auch die musikalischen Kompositionen des Troubadours fast vollständig verloren.

Ars Antiqua

1150 entwickelt er in Paris rund um die Kathedrale von Notre Dame eine große Schule kontra europäisch inspirierten Pythagorean, die Notre Dame Schule auch im Gegensatz zu der Ars Nova Ars Antiqua folglich benannt werden würde, oder, was eine weitere große Bewegung polyphone sein wird im vierzehnten Jahrhundert und im Gegensatz zu der Ars Antiqua, dessen Gleichnis endete mit der Schule von Notre Dame im Jahre 1320 geboren.

Aus der Sicht der Notenschrift, die Schule von Notre Dame führte die Technik, um die genaue Höhe der Noten in einer ähnlichen Weise zu dem, was in der modernen Musik schriftlich passiert, und die erste Idee der Teilung der Zeiten bieten: jede Note unterteilt werden könnte drei Noten von kürzerer Dauer.

Aus der Schule von Notre Dame gibt es Namen Leoninus magister und magister Perotinus die ersten Autoren der Kirchenmusik, modernem Design, die Geschichte der westlichen Musik.

Dem vierzehnten Jahrhundert: das Ars Nova

Das vierzehnte Jahrhundert war das Jahrhundert, die in Europa eine Bewegung der Säkularisierung der Kultur, die sich von der Anlage und Geistlichen zu distanzieren, um seine eigene autonome Dimension zu erwerben begann begann. Dieses Phänomen zeigte sich in allen Aspekten der künstlerischen Produktion: in der Literatur gab es eine Verschiebung von einer theologischen Arbeit in der Welt der menschlichen Komödie Boccaccio; in lackieren geht von Strichmännchen auf die materielle Dimension des Menschen; in der Architektur, sie nicht nur Orte der Anbetung, aber auch Schlösser, Bürgerhäuser und Adels aufgebaut sind. Musik erwarb auch eine eigenständige Dimension. Ars Antiqua schließt im Jahr 1320, an denen stammen aus zwei Abhandlungen: Ars Novae musicae Johannes de Muris und Ars nova musicae von Philippe de Vitry, der die Periode wie die Ars Nova bekannt begann.

Diese Schule entwickelte das Konzept weiter Notation mensural, Hinzufügen Dauern zu den bis dahin verwendeten, und sich die Anwendbarkeit der Zweiteilung der Werte; betonte auch die musikalischen Aspekte der Zusammensetzungen im Vergleich zu textlichen Aspekten. Diese Innovationen legte sie schnell in Konflikt mit den Mitgliedern der Ars Antiqua.

Die Aussicht Ars Nova schließlich durchgesetzt, und seine Lehren waren die Grundlage der weiteren musikalischen Innovationen, die in den folgenden Jahrhunderten in Flandern genommen haben.

Als Teil der populären Musik, die dreißiger und vierziger Jahren sah die Verbreitung einer neuen Musikrichtung, der Pariser Chanson, eine Silbengesang in vielen Stimmen in der Regel homorhythmische. Diese erlebte viele Veränderungen und Entwicklungen; in der zweiten Hälfte des fünfzehnten Jahrhunderts eine Form, rein instrumentalen, daraus abgeleitet, dass Song von Sonar, wurde der Stammvater der Instrumentalformen, die später in der Barockzeit entwickelt werden wird.

Der fünfzehnte

Die wirtschaftlichen und sozialen Umwälzungen des fünfzehnten Jahrhunderts, insbesondere der Hundertjährige Krieg und die Verkehrsentwicklung in Nordeuropa vermindert die Bedeutung von Frankreich und gab den Anstoß für die Entwicklung der Kunst im allgemeinen und Musik vor allem in den Regionen Flandern und Burgund . Die Schule, die, entwickelt in Domschulen aus wohlhabende Mittelschicht gefördert, nahm den Namen des franko-flämischen Schule und die bestehenden Formen der Masse, die Motette und Chanson stark erneuert. Legen die Harmonien in Terzen und Form nachahmenden Kanon an der Basis ihrer kompositorischen Verfahren revolutionierte die flämische, die Praxis der Mehrstimmigkeit von Ars Nova und der ars antiqua vererbt. Das Werk dieser Komponisten legte den Grundstein für die Entwicklung dessen, was die Theorie der Harmonie.

Sie erreichten den monumentalen Komplex, wo die flämischen Zusammensetzungen, die Regeln, die sie codiert und petite Taxonomie, mit denen sie die Formulare frequentiert schließlich austrocknen und halte kunstvollen Kompositionen flämischen letzten Periode eingeteilt: an dieser Stelle, die die Lehren der flämischen Sie wurden von anderen Musikern in Europa aufgenommen und war ein integraler Bestandteil der Polyphonie zu werden.

Die italienische Musik dieses Jahrhunderts ist nicht gut dokumentiert. Wir wissen, daß es eine Erweiterung der Nutzung von Musik dessen musikalische Teil wie üblich an die Mundlieferung zugeordnet ist, ist fast vollständig verloren. Diese Zeit erinnert an die Karnevalslieder, in Florenz in der Zeit von Lorenzo il Magnifico geboren. Es ist popolareschi Songs für mehrere Stimmen: eine echte Mehrstimmigkeit in der alle Einträge, die den gleichen Rhythmus haben.

Sie behaupteten, verschiedene Formen fast monophone, polyphone oder omoritmiche viel einfacher als Flämisch, in denen eine Text herrschte sull'intreccio Musik. Unter ihnen war der beliebte Form nannte Lüge. Von Neapel kam die Bäuerin, eine Form 3 Einträge, zunächst im neapolitanischen Dialekt, der eine internationale Form als Madrigal wurde. Es war eine Form des sehr beliebten Charakter, die durch das Vorhandensein von parallelen Quinten, als ob, um die Reichweite der klassischen Tradition der im gleichen Zeitraum zu betonen.

Der Cinquecento

Das sechzehnte Jahrhundert sah das Auftreten eines der wichtigsten Ereignisse für die Verbreitung der Musik: die Geburt des Musikverlags. Im Jahre 1501 in Venedig ist pzum ersten Mal von Ottaviano Petrucci die Harmonice Musices Odhecaton, einem gesamten Volumen der gedruckten Musik veröffentlicht. Petrucci verwendet beweglichen Lettern; ein Drucker Roman, Andrea Antico, verwendet ein paar Jahre nach einem Verfahren ähnlich wie Holzschnitt-Technik, um das gleiche Ergebnis zu erzielen.

Ein weiterer wichtiger Zweig des Pariser Chanson war in der italienischen Madrigals, erstellt von der Französisch und der flämischen Philippe Verdelot Jacques Arcadelt. Das war eine Form von vielen Stimmen, wo der Sinn des Textes vermittelt den expressiven Charakter der Musik gesungen; es wird in den wichtigsten Musikern der Zeit, wie die Italiener und andere Ausländer auf die Erzeugung flämischen sechsten gehörangefochten werden.

Das Aufkommen der lutherischen Reformation und der katholischen Gegenreaktion, die im Konzil von Trient gipfelte hatte einen großen Einfluss auf die Kirchenmusik. Im deutschsprachigen Raum, die deutsche Übersetzung der liturgischen Gesänge und setzen sie in der Musik oft profane Melodien geschaffen die Tradition des protestantischen Chorals. In der katholischen Welt, schuf er eine Bewegung zurück zu den Ursprüngen des Gregorianischen Chorals, die aus der übermäßigen Komplexität der flämischen Schule im vorigen Jahrhundert eingeführt distanziert ist und verboten alle Massen abgeleiteten Musik profane, unter Hinweis auf Komponisten, die Verständlichkeit des Textes zu respektieren. Besonders empfindlich auf diese Diktat war die italienischen Komponisten Giovanni Pierluigi da Palestrina, und als Komponist und Lehrer von mehreren römischen Kapellen links ein Korpus von 100 Massen, 375 Motetten und mehr als 300 andere Zusammensetzungen, die praktisch die Wiederherstellung der katholischen Kirchenmusik besteht, Gründung eine Gebühr von Stil, der seit Jahrhunderten wäre der Verweis auf die liturgische Musik zu kommen.

Zur gleichen Zeit, in den humanistischen Kreisen wurde die Entwicklung einer Kontroverse zwischen Befürwortern Formen polyphone und monophonen Befürworter der Formen, wobei letztere trug die Kleidung der Innovatoren. Fundamental war der Kreis der Florentiner Camerata de 'Bardi, dass gegen Ende des Jahrhunderts zwei Versionen eines Musikdrama, das Eurydice, wo sie eine neue Technik, die im siebzehnten Jahrhundert das Genie Claudio Monteverdi würde das Melodram zu erhöhen verwendet wurde .

Die Abhandlung De Institutioni Harmonica gioseffo zarlino, einer der Konservativen und Verteidiger der Polyphonie in der oben erwähnten Kontroverse, definiert eine vollständige und erschöpfende die Gesetze der Harmonie.

Siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert: Barock und Klassizismus

Die Barockzeit geht von 1600 bis 1750. Der Begriff stammt aus der Barock abwertende Bezeichnung für den Stein von unregelmäßiger Form, hässlich; Dieser Begriff wird im nächsten Jahrhundert geprägt. Sein Ziel war es, die Zuneigung und Bewunderung zu bewegen. Die Stücke wurden Voice-only bis zu dieser Zeit, auch wenn sie für Musikinstrumente können transportiert werden. Instrumentalmusik in den Kirchen von Venedig entwickelt: Nutzung der Möglichkeiten der akustischen Kirche von San Marco. Sie beginnen, für Musikinstrument mit den Möglichkeiten des Instruments schreiben: diese Art des Schreibens wird als "Musiksprache". In Adelspaläste bildete die Figur des tugendhaften; nach einer Weile wird dies auch in den Palästen der Bischöfe, weil die Kirche erkennt, dass er muss die Mode der Zeit zu folgen.

Westliche Musik wurde durch Sprünge und Grenzen in den folgenden Jahrhunderten entwickelte sich auch der Perfektionierung seiner tonalen Systems. Der Ton ist ein Musical nach Dur und Moll. Jede Stufe der Tonleiter können Sie eine Vereinbarung zu bauen; Vereinbarungen werden die Verlegung, wenig Bewegung oder Bewegung und kann auch Konsonanten oder dissonant sein. Ein Meilenstein setzt sich aus den Kompositionen von Johann Sebastian Bachs Wohltemperiertes Klavier, die das so genannte System der "gutes Temperament" üben. Suite: Abfolge von stilisierten Tänze sollen nur zu hören: allemande, Gigue, aktuelle Aufruhr: diese Reihe von Tänzen wurde von Froberger erfunden.

Sonata: Instrumentalstück, das die Madrigal ähnelte. Freeform: Abschnitte des Madrigals zu denen der Sonate: geht von einem Song zum von mehrmals zusammengesetzt sein. Langsam-schnell-L-V Kirche; V-L-V-L Kammer. Melodrama: im Jahre 1570 im Haus Bardi, eine Gruppe von Künstlern zusammen und beschließen, die griechische Tragödie auf dem Glauben, dass es vollständig in monodischen Gesang begleitet gesungen wieder zu beleben. Im Jahre 1598 kommt er zu der Erkenntnis des "Daphne", mit Musik von Peri und Corsi, die wir in der Tat nur ein paar Fragmente angekommen. Im Jahr 1600 wird es von Peri und Caccini zusammengesetzt, für die Ehe von Maria de 'Medici und Heinrich IV von Frankreich "," Euridice ", mit Text von Rinuccini. Im gleichen Jahr die Arbeit von Emilio de 'Cavalieri "Rappresentatione Blut et Körper", die die gleiche Struktur wie eine Oper hat, kann aber nicht als solche definiert, weil die Melodramen Argument muss säkular sein und das war es nicht werden. Das Eurydice wurde der Herzog von Mantua Gonzaga, die ein Melodram, seine Monteverdi Musiker, der im Jahre 1607 's "Orpheus" komponiert im Auftrag bemerkt. Die ersten Opern sind in "rezitieren singing" durchgeführt: vom Rezitativ und Luft dort kommen. Die Themen der ersten Opern waren mythologische Themen, um die Unwahrscheinlichkeit des Dialogs gesungen rechtfertigen. Es ist sehr verwendet, den Mythos von Orpheus und Eurydike, weil sie die Magie und die Schönheit des Liedes von Orpheus bewegen kann Neigungen zum Ausdruck bringt. Das Finale wurde oft gewechselt, weil die Melodramen musste ein glückliches Ende, die nicht diesen Mythos gekennzeichnet haben.

Wurden für Musiker gegründet Schule, Laienverbände. In Italien hat die ersten Konservativen, die eigentlich Waisenhäusern. Orphans wurde gemacht, um Musik zu studieren. In italienischer Antonio Vivaldi war er sehr Waisenhäuser, als Lehrer und Dirigent. Vivaldi war ein Priester von seinem Gelübde verzichtet. Er schrieb viele Werke, die Ryom versuchte zum Katalog: Vivaldi schrieb 478 Konzerten, von denen mehr als 300 sind solo, dem die Wertpapiere gibt, nachdem sie gemacht werden, so dass die Musik kann nicht an dem Programm festgelegt werden. Er schrieb auch mehrere Sonaten und Symphonien, und drei Lautsprechern. Von Beruf war er auch der Theaterleiter. Ein negativer Kommentar über ihn wurde später von Stravinsky, der behauptete, dass Vivaldis Musik war alle gleich gegeben. In Deutschland, sowie die Musik ist auch in Gymnasien untersucht. Ein wichtiger Lehrer war St. Thomas in Leipzig, der auch bei Bach unterrichtet. Am Ende des sechzehnten Jahrhunderts ein Florentiner Priester schafft kleine Versammlungen, wo die Gläubigen beten und diskutieren religiösen Angelegenheiten. Diese Treffen waren sehr erfolgreich. Sie wurden überall emuliert. Bei diesen Treffen diskutiert und gebetet Laudes stimmigen Gesang die Teilnehmer. Mit dem Tod von S. Filippo Blacks wurde Benutzern eine soziale Klasse höher. Sie fangen an, Madrigale zu singen, und langsam in Lautsprechern zu verwandeln. Die wichtigsten Unterschiede zwischen Opern- und Oratorien sind Oratorio: keine Aktion auf der Bühne, Heiligkeit, basierend Mentalität der Chor, die Anwesenheit des Erzählers. Melodrama: sie Aktionsbühne, herrschte profane Argument, kein Chor, kein Erzähler zwar bis zu 600 Bögen 'vorherrschenden Windinstrumente, weil sie am besten geeignet sind, um die polyphone Musik der führen 500 ", weil mit dieser Art von Werkzeug kann mehr produzieren Effekte und Dynamik. Bis dahin gab es keinen Begriff der Öffentlichkeit, da die Arbeiten wurden nur vor den Gerichten durchgeführt. Im Jahre 1637 mit der Eröffnung des ersten öffentlichen Theater in Venedig, wird die Bevölkerung der, der zahlt, und beginnen, die Musikauswahl beeinflussen. Während der ersten Hälfte des siebzehnten Jahrhunderts im venezianischen Schule, Girolamo Frescobaldi schreibt für Orgel und Cembalo, ein polyphoner Musik, die die Virtuosität passt, auch geben Hinweise, um die Darsteller. Die Formen der Lieder geschrieben: Song, schauen, berühren und Laune. Neben denen von Bach, ist es entscheidend Zusammensetzungen der deutschen Georg Philipp Telemann, der die Form der deutschen Schule aus dieser Zeit bricht. Es besteht auch die große Präsenz von Wolfgang Amadeus Mozart. Kein Zweifel, es ist eine der großen und ihrer sind viele; und dank ihm die Entwicklung der Musik kann auf einer großen Säule geschaffen, die in allen Bereichen, Symphonie, Oper, Kammermusik, Serenaden erstreckt platziert werden, und das ist die Verbindung, können wir sagen, aus der Musik des achtzehnten Jahrhunderts und die romantische neunzehnten Jahrhunderts.

Das neunzehnte Jahrhundert

In der Blütezeit der westlichen klassischen Musik, die Jahre zwischen 1750 bis 1850, wird es in immer mehr reiche und aufwendige, dass in der Oper, mit mehr und mehr umfassend die Möglichkeiten des Ausdrucks durch den Oberwellensystem zum Ausdruck, sowohl in der Instrumental und klangliche es in den vergangenen Jahrhunderten gebaut.

Zu Beginn des Jahrhunderts taucht die Figur des Ludwig van Beethoven, der die Bewegungen durch das Erbe Mozarts und zeitgenössischen klassischen Komponisten nahm, um zu bekommen, um die kanonischen Formen der Musik, besonders die Symphonie und Sonate zu verwandeln, während der Erstellung des Konzepts der Musik absolute, das heißt, frei von den sozialen Funktionen, die bis dahin Thema gewesen war. Mit Beethoven sieht die Entstehung der Figur des Komponisten / Künstler, im Gegensatz zu den vorher herrschenden, der Musiker / Handwerker. Die neun Beethoven-Symphonien hatte solche Resonanz, um die Form der Sinfonie als der König aller Musikformen zu fördern, bis zu dem Punkt, dass viele der Musiker, die kamen nach ihm hatten Angst, es zu konfrontieren. Dennoch Komponisten wie Johannes Brahms, Anton Bruckner und Gustav Mahler konfrontiert mit den Ergebnissen so bemerkenswerter, als auf der "Saison des großen deutschen symphonischen" sprechen.

In Beethoven sind die ersten Manifestationen der musikalischen Romantik, viele Akteure davon waren der germanischen und der österreichischen, wie Schubert, Mendelssohn und vor allem Robert Schumann. In Paris Berlioz sie arbeiten, statt, die polnischen Chopin und Alkan. Es scheint in dieser Zeit die Figur des virtuosen Musiker, der in Franz Liszt und Niccolo Paganini den beiden Beispielen berühmtesten und gefeiert.

Das neunzehnte Jahrhundert war das Jahrhundert der großen italienischen Opernsaison, die hat als Protagonisten Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Giuseppe Verdi und, an der Wende des nächsten Jahrhunderts, Giacomo Puccini. Der italienische Operntradition fort, die Rolle zu singen, dass durch die Beredsamkeit der Arbeit des achtzehnten gelöst verbessern wird lyrischen Moment reiner Ausdruck der Seele. Im Laufe des Jahrhunderts jedoch allmählich absorbiert Aspekte der Französisch Oper, immer aufmerksam auf den visuellen Aspekt und die zweite Hälfte des Jahrhunderts auf Grund der Ästhetik des Naturalismus. Als das Orchester, von einfachen Begleitung des Songs es sich entwickelt zu werden, in den Werken von Puccini, einem Symphonieorchester.

Am Ende des Jahrhunderts, die Suche nach neuen Formen und neuen Klängen führt zu der Krise des tonalen Systems, in der berühmten Vorspiel zu Tristan und Isolde von Richard Wagner im Jahre 1865 zum Ausdruck gebracht, die Schritte harmonisch rätselhaft, nicht im Lichte der geltenden Regelung an den Menschen interpretiert enthält Jahren.

Das zwanzigste Jahrhundert

Zeitgenössische Musik

Im Anschluss an die Krise des tonalen Systems, im neunzehnten und zwanzigsten Jahrhunderts beginnt eine verzweifelte Suche nach neuen Sprachcodes auf der die musikalische Komposition zu stützen. Die vorgeschlagenen Lösungen sind anders: die Rücklaufmodus, die Annahme neuer Skalen, von außerhalb Europas stammt, wie Vollfarbige, chromatische atonal und dann der Zwölftontechnik, die auf die traditionelle Dualität von Konsonanz / Dissonanz untergraben neigt.

Insbesondere in der zweiten Dekade des Arnold Schönberg, mit seinen Schülern, darunter eine erinnert Alban Berg und Anton Webern, die Gestaltung eines neuen Systems, als "Zwölftonmusik" bekannt ist, auf der Basis der Reihe von 12 Noten kommt es. Einige glaubten, dass der Beginn der zeitgenössischen Musik, die oft mit der Avantgarde-Musik identifiziert: andere widersprach nachdrücklich, auf der Suche nach anderen Straßen. Das Konzept der Serie, zunächst nur zu musikalischen Intervallen verbunden sind, werden während des späten zwanzigsten Jahrhunderts entwickeln sich auf alle Klangparameter beinhalten. Dies ist die Phase des Serialismus, dessen Spitze wurde in den fünfziger Jahren mit Musikern wie Pierre Boulez und John Cage erreicht.

Andere Musiker - darunter Igor Strawinsky, Béla Bartók und Maurice Ravel - entschied sich, neue Inspiration in der Folklore und Musik von außerhalb Europas zu suchen, die Aufrechterhaltung einer Verbindung mit dem Tonsystem, aber zutiefst innovative Organisation und das Experimentieren mit neuen Skalen, Rhythmen und Klangfarben.

Parallel zu der Seite erwischt, die eigentlich weit über die Grenzen von seriellen Musik gesetzt erstreckt, nahmen sie große Bedeutung im zwanzigsten Jahrhundert populären Musik-Genres, in denen die Mittel der Massenkommunikation eine beispiellose Ausbreitung erlaubt.

Popmusik

In den frühen westlichen Musik des zwanzigsten Jahrhunderts ist es also jetzt dramatisch verändert, und in seinen Grundfesten erschüttert. Nicht nur das, sondern auch zu ändern, dank der relativ neue Erfindung des Radios und des Phonographen, die Art und den Zeitpunkt der Hören der Musik selbst, Erste Konzerte in dafür vorgesehenen Räumen, wie beispielsweise Theater, Clubs, Vereine oder Privathäusern begrenzt. Auf der einen Seite beginnt es, einen größeren potentiellen Publikum und weniger Gebildeten, die einfache melodische und harmonische Strukturen zu schätzen, andere als überhaupt in dieser Zeit der Geschichte zu schaffen war einfach, für diejenigen, die spielen, erhalten Sie einen Werkzeug- und lernen, wie Sie sie benutzen möchten.

Dazu müssen wir eine zweite Revolution, diese Technologie hinzu: die Erfindung der Lautsprecher und Schallverstärkung, mit der Sie mit den Instrumenten, die sonst nicht tun konnte mitspielen können, weil der Klang der einige von ihnen völlig prevaricherebbe andere.

Diese neuen technischen Möglichkeiten erstellt eine Chance für neue Fahrzeuge der Ausdruck, dass klassische Musik und langsam zu begreifen, dass die neue populäre Musik hatte kein Problem zu nehmen, zu schaffen, von 1920 bis 1980 und in geringerem Maße auch in den folgenden Jahren, ein großer Blüte der neuen Stile und Genres. Dies ist, wie Menschen, die authentisch Medienphänomene Erreichen beispiellose Popularität geworden. Unter ihnen können wir Frank Sinatra, Elvis Presley, den Beatles, Bruce Springsteen und Michael Jackson zu nennen. Die gleichen Faktoren, zusammen mit den sich verändernden sozialen und wirtschaftlichen Bedingungen in der westlichen Welt, nehmen sie großen Wert auf die kommerziellen Aspekte des Musikphänomen: im zwanzigsten Jahrhundert wird der großen Nachfrage für die Musik im Westen und im Rest der Welt geboren wurde, eine echte Industrie musikalische Größe und Ressourcen Riesen.

Jazz, Ragtime und Blues

Zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts, die Vereinigten Staaten von Amerika, beginnen, zu den städtischen Bevölkerung verschiedene Arten von Musik von Volkstraditionen stammen von Afrikanern brachte als Sklaven auf dem Kontinent zu verbreiten, und ihre Kontamination mit den musikalischen Traditionen weiß.

Geboren und Bekanntheit zu erwerben wie dieses Ragtime, Blues, urban, und in jüngster Zeit, Jazz, kombiniert die Bandmusik und Parade, die vor allem in New Orleans mit starken Dosen von Improvisation und mit besonderen Eigenschaften und rhythmische gespielt wurde, Stil.

Die Erfindung des Phonographen, das erste und das Radio, dann erlaubt eine beispiellose Verbreitung dieser neuen Arten von Musik, von Musikern, die oft Autodidakten viel mehr im Zusammenhang mit einer oralen Musiktradition als an der Musikliteratur waren gespielt. Diese Tatsache, die nicht-europäische Herkunft der Künstler, und die oben erwähnte Petition an Improvisation, dazu beigetragen, Musik von großer Frische und Vitalität. Entgegen dem, was schon so oft in der Geschichte der Musik passiert, Technologie bot jetzt eine populäre Musik mehr auf die Praxis als auf das Schreiben auf der Basis übertragen und überliefert werden und nicht vergessen.

Jazz-Musik weiterhin während des zwanzigsten Jahrhunderts zu entwickeln, damit der erste weit verbreitete Verbraucher Musik in den zwanziger Jahren und 30 Jahren, mit anderen Genres miteinander verflochten, um verschiedene Formen des musikalischen Ausdrucks noch erstellen und dann nach und nach entwickelt sich zu einem "Musik Musiker ", und für Fans expandierenden außerhalb Amerikas und die Suche nach Anhängern zuerst in Europa und dann in der ganzen Welt, und zu einem der wichtigsten musikalischen Beiträgen des neuen Kontinents.

Elektronische Musik

Nachdem die Erfindung des ersten technologischen Anlagen aufgetreten entlang des zwanzigsten Jahrhunderts, wurde es in der zweiten Hälfte der vierziger Jahre gegründet, die ersten Aufnahmestudios der elektronischen Musik gewidmet ist. Die Musiker, die Betriebs wurden, waren alle Autoren der avantgardistischen atonalen Kompositionen und konzeptionell mit zeitgenössischer Musik. Unter ihnen, die wichtigsten sind: John Cage, Pierre Henry und Karlheinz Stockhausen. Seit den sechziger Jahren, die erhöhte Produktion von elektronischen Geräten, und die daraus folgende "Popularisierung" von ihnen, lassen Sie die von den neuen Technologien hergestellt, um eine zunehmende Anzahl von Arten der populären Musik beeinflussen Sounds. Unter ihnen sind mindestens Krautrock berichtet, entstanden experimentelle Stil in Deutschland lange vor Mitte der siebziger Jahre und beinhaltet unter seinen Mitgliedern die influentissimi Kraftwerk, das Synthie-Pop, einer der ersten melodischen Stilen spielte mit elektronischer Technologien, hausmusik, und Techno.

Der Fels

Der Fels ist die abgekürzte Diktion "rock and roll" oder "Rock & Roll", und wenn man sagte, dies abgekürzter Ausdruck entwickelt verschiedenen Subgenres, die ihre aggressivsten Rock'n'Roll betont. Das Wort Rock begann, als "Rock" zu lesen, und Wendungen wie Hard Rock, dass "Hard-Rock." Der Rock'n'Roll wurde in den fünfziger Jahren als Tanzmusik, von Boogie-Woogie abgeleitet geboren, tanzen afroamerikanischen nach dem Krieg in der Tat, gerade für "undulates und dreht". Wenn Rock und Rock'n'Roll wurde differenziert, das heißt, wenn in der Tat waren sie auch nicht mehr, der zweite Ausdruck wurde als die ursprüngliche Form dieser Art von Musik zu verstehen. Historisch gesehen eine Gruppe oder ein Band von einer Stimme oft mit dem Zusatz von Klavier oder Saxophon gebildet wird, eine oder mehrere Gitarren, Bass und Schlagzeug. In den siebziger Jahren, vor allem in England, gingen sie zum Haus Gleichen von Pink Floyd, Arthur Brown und Soft Machine bereit zu fegen und zu erreichen neue Melodien musikalisch komplexer als die von Urgestein zu starten, um eine Revolution zu schaffen. In dieser Revolution war es auch in der Technologie, die mit dem Synthesizer Moog begann Mellotron zur Welt zu immer komplexeren Formen der Zusammensetzung zu ergeben und Ton komplett innovative beteiligt. Die Entwicklung des Rock hat zur Schaffung des Sub-Genres auch sehr verschieden voneinander geführt, von der Forschung und der virtuosen Kompositions Komplexität der fortschreitenden Direkt Minimalismus bis Punk, die durch die Schwermetall, gekennzeichnet durch aggressive Rhythmen, verzerrten Gitarren und Themen häufig träume, wütend, gewalttätig oder düster. Diese Subgenres spielen oft eine wichtige Rolle bei der Suche nach einer Identität jugendliches, damit am Ende mit binden an Subkulturen bestehenden Pre oder durch die Schaffung von ihnen.

Die Musik in der Welt

Neben der Musikkultur in Europa, gibt es andere ebenso wichtige Kulturen, die nicht vertraut sind. Sie nutzen Skalen verschieden von der unsrigen und die Geräusche, die sie verwendet werden, können wir oft scheinen dissonant. Aber nur wissen, ihr Wesen müssen besser die Herkunft kennen.

Chinesische Musik

Japanische Musik

Indische Musik

Afrikanische Musik

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